+SOMA . SUA DOSE DIÁRIA DE CULTURA INDEPENDENTE - +GALERIA

+Ensaio de Fotos . Pluracidades . Por Guilherme Maranhão

2010-03-12T19:25:00Z

(Esta entrevista foi publicada na na +Soma 16/Mar-Abr 2010. Baixe aqui ou descubra aqui onde conseguir uma.)

O olho de um scanner abandonado não está cego. Ele apenas deixou de olhar o mundo de forma obediente conforme programação formulada pela indústria. Um equipamento quebrado se transforma num marginal dentro da sociedade de consumo. A esse olhar marginal da máquina, Guilherme Maranhão sobrepõe uma atitude libertária, subversiva de reinventar o seu ponto de vista sobre o visível. Ao recuperar esse olho eletrônico do lixo das lojas de sucatas e reinseri-lo no mundo, o artista ao mesmo tempo tira do automático a máquina, a função do fotógrafo e, por fim, a percepção de quem observa tais imagens.

Este circuito, criado por Maranhão, permite que o acaso também concorra na interpretação da paisagem, conferindo-lhe uma visualidade que não tem como referência a hegemonia do olhar humano, e tampouco siga a bula do programa que transforma o mundo numa mimese pasteurizada e hegemônica, elaborado pelos engenheiros.

“Pluracidades”, gestada à margem da automaticidade do olhar da indústria eletrônica e sob o ponto de vista desse fotógrafo desobediente das regras, faz emergir no nosso olhar robotizado a paisagem reinventada de uma cidade errática. Sem referências geográficas, essa estranha urbe se redesenha em geometrias lúdicas, em rastros luminosos que flagram a passagem do tempo. E, assim, a vida se precipita, linha por linha, em poéticas fusões de cores, formas e associações que redimensionam a experiência do olhar.

Eder Chiodetto
Curador do Clube de Colecionadores de Fotografia do MAM-SP

Saiba mais:
refotografia.awardspace.com

FOTOS EM XADREZ

2010-01-15T10:29:00Z

Por Marcos Diego

Em 1983, Michael Lavine tinha 19 anos e vontade de trabalhar com animações. Morador da então pacata Seattle, onde nada de muita relevância acontecia, era o fotógrafo da turma de skatistas, músicos e jovens que gastavam o tempo procurando algo para fazer. Mal sabia ele que, ao registrar esses grupos, documentava o surgimento de um dos momentos centrais no rock dos anos 1990. Agora, 26 anos depois, lança Grunge, com prefácio de Thurston Moore, em que mostra – em preto e branco – as bandas e as “pessoas comuns” que, influenciadas por heavy metal, punk e hardcore, mostravam em seu jeito de vestir e agir a mistura que mais tarde levou grupos como Nirvana, Mudhoney e Pearl Jam à fama internacional.

Quando você decidiu ser fotógrafo profissional?
Comecei a trabalhar em 1987, mas já fotografava bem antes, quando estava na escola. Acho que ganhei a primeira câmera aos 10 anos. Fotografava por hobby, e foi nessa época que fiz as primeiras fotos do livro.

Se você não fosse fotógrafo, seria o quê?
Eu estava decidido a estudar animação. Era o que eu gostaria de fazer, mas na última hora mudei de ideia e troquei as aulas de animação por fotografia. Sempre quis ser animador.

Quais são suas recordações da Seattle pré-grunge?
Eu me mudei de Seattle para Nova York em 1985, então não me lembro exatamente do estilo de vida da cidade nessa época. O que eu me lembro é da música que veio de lá quando eu trabalhava para o escritório da Sub Pop aqui em Nova York. As bandas vinham de lá e eu as fotografava. Mas, sobre as coisas que mudaram, acho que foi uma questão de conscientização. As pessoas tomaram consciência da cena musical que existia por lá, e de uma hora para a outra o mundo inteiro ficou sabendo. Foi muito louco. Porque antes era uma cena muito pequena e independente, underground, em que todos se conheciam. Aí o Nirvana apareceu com “Smells Like Teen Spirit”, explodiu no mainstream, e de repente todos estavam envolvidos. Foi chocante para quem vivia isso, algo difícil de lidar.

O que mudou na sua vida depois da explosão do grunge?
Não sei. Acho que foi uma sensação de perda, de que a nossa comunidade havia sido de certa forma destruída. Mas, ao mesmo tempo, sem isso eu não teria conhecido as pessoas que conheci. Então é uma sensação amarga e doce ao mesmo tempo. Agora, a ideia do livro foi mesmo pontuar o fato de que o grunge não foi exatamente o que as pessoas pensam que foi. Esse livro é a minha visão pessoal, minha versão pessoal, sobre o que foi o grunge. Não é um livro sobre sua história definitiva.

E o que é o grunge para você?
Grunge foi o rótulo dado pela imprensa tradicional para um amplo leque estilo musicais que estavam rolando por todo o país. Eles basicamente juntaram algumas bandas de metal e punk sob esse rótulo. Não significa muita coisa, na verdade. É só um nome que alguém deu a uma cena muito diferente do que as pessoas imaginavam. As fotos ficaram no meu armário por 25 anos, e acho que é uma boa hora para olhar para trás e ver o que aconteceu de verdade. Existem muitos mal-entendidos e [o livro] é uma forma de redefinir, esclarecer e ajudar as pessoas a entender o que rolava por lá.

Você é uma espécie de Bob Gruen do grunge. Concorda com isso?
(Risos) Eu conheci o Bob Gruen, e talvez ele não goste dessa comparação. Ele e o trabalho dele são uma grande influência, mas acho que para chegar lá ainda preciso ganhar mais alguns cabelos brancos.
As primeiras fotos do livro mostram jovens de Seattle e Olympia em 1983 vestidos sob influências de estilos variados.

De onde vinha isso?
Não existia internet naquela época, então as pessoas queriam se expressar de diferentes formas – para questionar a autoridade, por exemplo. É uma espécie de tradição usar roupas para enfrentar o sistema, se afirmar. Seja qual for a orientação política, isso ajuda a identificar grupos diferentes. Naquela época, em Seattle, a cena underground era bem pequena, e a música que se ouvia em geral era da Costa Oeste, de Londres, Nova York. O pessoal de lá acabou misturando todos os estilos e criou sua própria versão, que é o que as pessoas no mundo chamam hoje de grunge. Você pega pop, heavy metal, mods, skinheads, todos os tipos de rebeldia e transforma nisso. O som de Seattle também dizia isto naquela época: “nós não queremos ver The Go Go’s”, ou seja lá o que fosse o mainstream em 1983. Havia muitas bandas de heavy metal e new wave ruins, a política estava ruim, era o Rock Against Reagan, então a união chegava à esfera política também.

Como você fazia para capturar momentos espontâneos das bandas, como o Mudhoney? Você era amigo dos músicos?
No caso específico do Mudhoney, eu ainda não os conhecia. Mas eu acho que, por causa da minha amizade com o Bruce [Pavitt], chefe da Sub Pop, todo mundo era amigo de alguém, então havia um certo conforto nas relações. E essa é um dos segredos para se tornar um bom fotógrafo. Se você se sente à vontade perto de mim, você me escuta, e fotografar se torna mais natural.

Mas ser amigo da banda é importante para conseguir uma boa foto?
Não, de jeito nenhum. Às vezes pode ser um problema, se você ficar conversando e não se concentrar no trabalho. (risos)

O prefácio do seu livro é do Thurston Moore. Como ele entrou na história?
A ideia inicial do livro foi dele. Ele é meu amigo há muitos anos, meu vizinho, e um dia, há uns dez anos, perguntou por que eu não fazia um livro. Há quatro anos, novamente, ele lembrou da ideia. Demorou três anos para que o livro ficasse pronto, o processo de seleção e compilação foi bem longo.

Qual foi a banda mais difícil de fotografar?
A mais difícil? Sonic Youth. (risos) Porque eles são difíceis, um pé no saco. [Folheando o livro] Nirvana foi explosivo, Pearl Jam foi ok, Soundgarden eu fotografei um milhão de vezes e todas renderam ótimas imagens, Butthole Surfers também... Vou te dizer, a maior parte das pessoas é fácil de fotografar, você raramente encontra alguém difícil. Até a Courtney Love não é assim, ela é divertida. Quer dizer, ela pode dar uma de louca de uma hora pra outra, mas sempre foi divertida.

Pensei que sua resposta seria Kurt Cobain. Como era o relacionamento entre vocês?
Pois é, Kurt não foi difícil comigo porque era meu amigo. Ele me respeitava, eu acho, então foi uma boa relação de trabalho.

O que, para você, fez dele alguém tão especial?
Se eu soubesse responder isso, estaria rico! (risos) Nós não sabemos. Ele vivia em Seattle, e é uma coisa mágica, é magia! Se você está numa sala com um cara desses, ele é só mais um, uma pessoa doce e amável. É exatamente como você e seus amigos. Quer dizer, ninguém sabia que o cara ia se tornar uma lenda. Ele era apenas um de nós.

Qual é o seu álbum favorito daquela época?
Daydream Nation, do Sonic Youth. É um disco forte. Eu trabalhei nele e sinto sua força até hoje.

O que você faz hoje em dia?
Tenho um grupo de pessoas que eu fotografo e um trabalho com vídeo também. Acabei de finalizar o videoclipe do Heavy Trash, a banda nova do Jon Spencer. Trabalho também com a Cher, a Miley Cirus, fiz as promos para o álbum do TV on the Radio. Trabalho também para algumas emissoras, como a Fox.

E o que você tem ouvido?
Muitas coisas. Peguei o Them Crooked Vultures recentemente, gosto também do Spoon e do Heavy Trash. Já ouviu Fever Ray? É uma garota sueca que tocou no The Knife e não sai do meu som. Não é rock, é algo mais viajante.

Qual é sua melhor foto, na sua opinião?
Todas possuem uma história, mas fiquei muito feliz que as fotos dos jovens na rua tenham saído. Porque acho que ninguém conhece de verdade esse lado de Seattle. Tempos atrás recebi um e-mail de uma das fotografadas em 1983, dizendo que o livro era o anuário escolar que ela nunca teve.

Você planeja uma segunda edição do livro, ou outro com alguma banda específica?
O livro tem uma versão em cores, que é completamente diferente. Fiz algo parecido no meu outro livro, Noise From the Underground: A Secret History of Alternative Rock (Fireside), lançado há 10 anos e que tem diversas bandas, de 1986 a 1996.

Felipe Motta aka Mottilaa

2009-12-08T20:17:00Z

Acertando as Contas

Entrevista com Felipe Motta aka Mottilaa
Por Tiago Moraes

Há mais ou menos dez anos, época em que dedicava cem por cento do meu tempo ao skate - seja dando meus grinds por aí ou tocando a Agacê, marca que criei em 1997 junto com três amigos de infância -, resolvi criar e divulgar o projeto Portfolio, com o intuito de revelar jovens talentos do universo do skate e posteriormente desenvolver projetos colaborativos.

E foi entre quase uma centena de cartas e telefonemas recebidos durante o período da promoção que o traço de um garoto carioca impregnado de humor e sarcasmo acabou me chamando a atenção. Foi dessa forma que conheci Felipe Motta e a partir daí, de 1999 a 2004, fizemos dezenas de trabalhos juntos e viramos grandes amigos.

Se Billy Argel criou praticamente sozinho toda a estética do skate nos anos 80, Motta é sem sombra de dúvida o maior nome que surgiu no universo de arte de skate desde o final da década de 90 até os dias de hoje, em um mercado em que, salvo raras exceções, ainda prevalece a falta de identidade, de originalidade e de cultura de investimento em arte e conceitos originais.

Mesmo que no mercado de skate seu traço seja facilmente reconhecido em shapes, camisetas, anúncios e outros trabalhos comerciais, muitos ainda não tiveram o prazer de conhecer seu trabalho autoral, que Mottilaa compulsivamente põe para fora em seus caderninhos para depois transportar para telas, muros, banheiros e qualquer outro suporte que tiver coragem suficiente de aparecer na sua frente.

Como amigo e fã de carteirinha, sempre incentivei o seu lado autoral, e talvez seja por isso que, mesmo com vontade de entrevistá-lo desde a primeira edição, tenha esperado o momento ideal para bater esse papo com o figura. E foi no meio da reta final de produção para a sua primeira individual - que acontecerá no fim de outubro no Espaço +Soma - que decidi ser a hora de finalmente acertar minhas contas com ele.

Motta, conta pra mim, quando foi que você pegou num pincel pela primeira vez?

(Risos) Na primeira vez que fui fazer xixi sozinho! Agora, sério, eu tenho um quadrinho na casa dos meus pais que fiz em 84, com 6 anos. Entre um monte de profissões, meu pai se formou em arquitetura e, apesar de não ter seguido profissinalmente a carreira de artista, pintava uns quadros quando tinha a idade que eu tenho agora. E ele sempre me incentivou muito a desenhar, esse primeiro quadrinho que eu fiz ele tava do meu lado, me ensinando como mexer com aquarela. E [quando se é] criança, além de pegar as coisas rápido, esses acontecimentos marcam muito. Lembro desse momento como se fosse hoje, é muito louco!

Você era um daqueles moleques que ficava na sala de aula fazendo caricaturas de todo mundo, dos amigos, do professor?

Era uma desgraça, cara! Tomei bomba duas vezes na escola e sinceramente nem sei como não repeti mais, me passavam de ano! E eu não era um aluno burro, até porque quando sentava pra estudar tirava até uns 10, mas tava mais preocupado em desenhar como se não houvesse amanhã! Mais tarde, no terceiro ano, antes de entrar pra faculdade, na sala de aula tinha dois murais, o da esquerda e o da direita. E o da esquerda era meu! (Risos) No fim do ano, tinha umas setenta caricaturas e charges de coisas que rolavam na sala de aula! Eu chegava do recreio e tinha gente de outras turmas vendo, às vezes até visitante de fora do colégio!

Fala um pouco das tuas influências (e más influências).

Eu geralmente não curto focar em fulano, cicrano, mas tem algumas pessoas que me influenciaram e influenciam muito. Meu pai sempre esteve lá, me deu apoio, até hoje quando vou pra casa dos meus pais pintar no terraço do sobrado ele não reclama quando eu cago tudo! (Risos) O Bruno Shulyba, amigo de infância, desenhava comigo desde criança e, apesar de não ter seguido carreira, desenhava demais, tinha um traço animal. O [Don] Torelly é um grande amigo e uma inspiração até hoje, passo mal com ele. Já o Billy Argel me mostrou que shape brasileiro podia ser lindo também. Tem o Evan Hecox, que é foda também, sei lá... tem vários!

<object height="385" width="480"><param></param><param></param><param></param><embed src="http://www.youtube.com/v/HMFDk-5OGSU&hl=en_US&fs=1&" height="385" width="480"></embed></object>

Como (e quando) você se envolveu com o skate, e que estrago isso fez na sua vida daí em diante?

(Risos) Ganhei o meu primeiro skate com uns 10 anos. Essa história acabou ficando famosa por causa da minha parte no RE:BOARD (documentário recém-lançado sobre arte de skate no Brasil em que Motta foi um dos destaques). Pedi pra minha avó um skate com um desenho de dragão no meu aniversário e ela viajou pro Paraguai e me trouxe um que tinha uma lagartixa rosa bebê de óculos escuros em cima de um skate! De lá pra cá, eu simplesmente não sei como seria minha vida sem o skate junto. Tudo o que o skate me trouxe de brinde, no pacote, mudou minha vida. Arte, amigos, experiências de vida, roupa, gosto musical, tudo, cara... Minha carreira profissional é calçada na cultura de rua, mais especificamente do skate. E não tem como negar isso, nem quero!

E a sua história com os shapes, só esse assunto renderia mais uma entrevista... fala um pouco disso.

A minha história com os shapes é de longa data. Desde que ganhei meu primeiro skate, eu era vidrado nos desenhos. Colocava grabber nos shapes só pra não arranhar os desenhos e falava que era pra ‘grebar'! (Risos) Quando a primeira série de shapes que desenhei saiu pela Agacê, eu desacreditei! Foi um marco na minha vida, de verdade! Depois, desenvolvi em conjunto contigo na Agacê muitas outras séries, foi uma época muito divertida. Desde moleque sempre tive em mente que o meu maior desejo era de um dia andar com um shape que eu tinha desenhado, e ver gente andando na rua então, nem se fala!
Até hoje tento sempre fazer um shape tão inspirado quanto o primeiro que fiz. Por mais que pareça clichê, essa primeira série me mostrou que aquele sonho de moleque meio improvável poderia rolar. Por isso é sempre bom olhar pra trás e não esquecer dessa sensação que senti quando abri o pacote e vi os shapes finalmente prontos ali na minha frente!

Você também tem um trabalho forte com o rap carioca e já emprestou seu traço a vários artistas da cena, como De Leve, A Filial, BNegão e Marcelo D2, não necessariamente nessa ordem. Como rolaram essas parcerias?

Tudo amigo! O lance da música sempre foi muito presente na cultura do skate e sem querer a gente acaba conhecendo e ficando amigo de muita gente do meio musical, meio que uma coisa puxa a outra. O Edu [Lopes, do grupo A Filial] eu conheço desde moleque, do skate mesmo, o De Leve foi o Serginho que me apresentou, sempre me dizia que eu tinha que conhecer ele de quaquer jeito e acabou virando um amigão também. O Bê [BNegão] morava no mesmo lugar que o Edu, em Santa Teresa, daí acabou rolando o convite pra fazer o logo, o site dele. O Marcelo [D2] eu conhecia de vista, mas só fui conhecer mesmo quando ele quis samplear uns diálogos de filme da Pepa Filmes, de que eu participava na época. Daí o tempo passou, a gente acabou ficando amigo e rolaram vários trabalhos juntos, fiz a coleção da Manisfesto pra ele, e tem uns projetos aí pra rolar.

Já que você citou a Pepa Filmes, fale um pouco dessa época.

Foi uma época engraçada da minha vida. Eu estudava e namorava, já trabalhava, mas não tinha muitas obrigações na vida! Morava a uns quinze minutos a pé da casa do Pepa e do Renatim, e chegava lá, nego de bobeira e a gente: "Porra, vamo fazer um filme?" Não tinha roteiro e, na minha opinião, a parada era essa, o descompromisso. Depois o Pepa fez faculdade de cinema e, normal, quis deixar as coisas mais organizadas, marcava reuniões etc. E a onda dele eram mesmo os efeitos especiais, as sátiras com ficção cientifica, e a minha pegada era outra, do humor. Fora que depois já não tinha mais o tempo livre que a coisa demandava, daí acabei desencanando. Mas, sem resentimentos, foi uma época animal, de chorar de tanto rir, a gente não ganhava porra nenhuma, mas se divertia!

Mas o Cara de Cavalo tá na ativa até hoje, né?

O Cara de Cavalo é um personagem que saiu do Coronel Cabelinho vs Grajaú Soldiaz, o longa metragem da Pepa Filmes, que era pra ter trinta minutos e acabou com quase uma hora e meia! Tenho uma relação meio maluca com ele, tá na ativa, mas aparece quando dá na telha, não manda e-mail nem liga antes (risos)!

É tipo um espírito que baixa em você de vez em quando?

É, tem uma parada engraçada que minha mãe e minha vó me contam. Meu avô materno morreu antes de eu nascer, e elas falam que ele também tinha essa coisa, do nada dava uma ziquizira e ele aparecia na sala, incorporando um personagem. E desde moleque eu sou assim, tem até filmagem minha pequenininho todo montado, incorporando personagem... E com o Cara de Cavalo rola isso também, ele acabou ganhando vida própria, ainda mais depois da vinhetinha que gravei pro disco do Quinto Andar.

<object height="385" width="480"><param></param><param></param><param></param><embed src="http://www.youtube.com/v/ecraIigQqls&hl=en_US&fs=1&" height="385" width="480"></embed></object>

Você tem um pequeno arsenal de personagens que criou, e alguns deles já te acompanham por um bom tempo, como o Negolindo, o Abarreta, o Theo22. Como nascem esses personagens? São inspirados em pessoas que você conhece ou são ficção? Conta um pouco a história de cada um deles.

Muita coisa eu tiro da vida real mesmo. O Negolindo é meio que uma tiração de sarro com os personagens bonitinhos que pipocaram no graffiti nos ultimos tempos. Ele é a síntese do que as pessoas mal resolvidas na vida acham de ruim: é um pivete preto, zarolho, desdentado, descalço e sem camisa. Mas tem cara de feliz. O Abarreta é uma tiração com os famosos wannabes, como são chamados na gringa. Ele não faz nada de bom, não sabe cantar, é um mimado, mas se fantasia de rapper e vive uma vida de glamour que não existe. O Theo22 é um cara que existe na ZN, num condomínio na Vila Isabel. É um cara sinistrão! Já fiz uns graffitis dele na frente da sua casa, ele já virou até shape pra uma marca alemã (Subvert). Fiz o cara saindo duma tumba no cemitério. E tenho alguns outros personagens que criei e ainda não fiz nada com eles, pretendo um dia, mas por enquanto estão na minha cabeça, bem guardados.

Seu trabalho parece ter sempre uma dose de humor impregnado. Você não consegue levar nada na vida a sério?

Por incrível que pareça, eu levo essa sacanagem muito a sério (risos)! Tenho um prazer muito grande em provocar o riso, mesmo que interno, nas pessoas. Pintei um banheiro químico no Circo Voador um tempo atrás, que era um boneco do lado de fora e dentro só bilhete sacana! E tá lá até hoje. As pessoas entram e saem rindo. Isso pra mim não tem preço.

Você é do tipo que perde o amigo, mas não perde a piada?

Cara, pior que não! Eu não curto o humor que parte pro plano da humilhação. Dei apelido pra um monte de gente já, apelidos que ficaram até hoje, mas não lembro de nada humilhante. Tenho esse sarcasmo que não larga de mim, gosto de dar umas alfinetadas, mas acho que dá pra ser sacana sem ter que humilhar.

Falando em apelidos, você um tempo atrás andou mudando a grafia do seu nome, primeiro de "Felipe" para "Felipe", e depois começou a assinar seus trabalhos como Mottilaa, com dois "a" no final... Qual foi o motivo dessas mudanças? Numerologia, esoterismo ou porque já tinha Felipe Motta demais por aí, de campeão de snowboard a dono de loja de vinhos online?

[A Mari, mulher de Felipe responde por ele] Todas as respostas acima! (Risos)
Todas e mais um pouco! É um assunto delicado, que mexe com forças ocultas, prefiro não comentar mais sobre isso! (Risos)

(Risos) Ok, vamos esquecer esse assunto. Me explica então por que quase todos os teus personagens têm mãos de pinguim, sem dedos? Faltou na aula no dia que ensinaram a desenhar dedos ou é pura preguiça mesmo?

(Risos) Na real os meus personagens têm dedos, sim, é que de longe eles não aparecem! E se precisar eu boto dedos neles, sim, quando eles têm que mandar um fuck ou um joinha... Outro dia rolou um lance engraçado, fui a uma reunião de um trabalho em que me contrataram como ilustrador mostrar o layout dos personagens e o diretor de arte falou: "O Motta fez as mãos aqui no layout sem dedos para agilizar, né?", e eu: "Não, não, é assim mesmo!"

(Risos) Vai, chegou a hora de vender o seu peixe! Fala um pouco do Petit-Pois Studio.

Opa! Essa a Mari responde! (Risos) O Petit Pois Studio nem era um projeto, mas acabou rolando. Como a Mari também é designer, a gente começou a pegar uns trabalhos juntos e, quando a gente viu, precisamos alugar um lugar pra trabalhar. O nome do estúdio é o nome do nosso cachorro, e o logo é a cara dele. A gente fala que criou o conceito de "Live Logo": ele fica aqui junto com a gente, então é o logo andando pelo estúdio o dia inteiro! (Risos) Na real, o Pois é o nosso chefe, a gente só obedece!

E o graffiti, você considera mais como uma técnica ou leva a parada a sério, toda a questão da ideologia, da tradição e das regras, de ter que fazer bomb, letras etc?

Eu tenho uma relação engraçada com o graffiti. Comecei com os caras do FleshBeck aqui no Rio, me pilhando pra colocar meus desenhos no muro, daí fui me interessando, ficando vidrado nessa coisa da escala, do tamanho das coisas. É muito louco ver um personagem teu com quatro metros de altura na entrada de um viaduto por onde passam milhares de pessoas por dia. Você fica pensando "o que todas essas pessoas devem pensar quando passam por aqui?" Acho legal essa coisa do graffiti, de deixar lugares horrorosos mais bonitos. Fiquei um tempo sem pintar, pintando uma coisinha aqui e outra ali, mas da metade do ano pra cá acho que me deu um estalo e voltei com pique! Essa coisa de as pessoas se reunirem pra pintar também é meio que uma terapia...

<object height="385" width="480"><param></param><param></param><param></param><embed src="http://www.youtube.com/v/POB-awUHxwI&hl=en_US&fs=1&" height="385" width="480"></embed></object>

Você já é bem conhecido no cenário do skate e da música, mas pouca gente conhece o seu trabalho autoral. Agora que está se preparando para a sua primeira individual, no fim de outubro, onde vai poder mostrar esse seu outro lado que nem todos conhecem, fala um pouco sobre a temática da exposição e o que pretende mostrar por lá.

Então, eu viajei em abril com a Mari pro Peru. Passamos só 10 dias lá, mas a quantidade de coisas que vimos foi absurda! Rodamos meio sem destino, mal sabíamos pra onde a gente ia no dia seguinte. E é um país com muita diversidade, a fauna, a flora, as pessoas, cores pra tudo quanto é lado. E a gente, que trabalha com isso, não tem como não voltar com a cabeça pipocando de ideias! Então essa exposição será a minha leitura, a minha interpretação do que vi por lá. Sempre com essa pegada bem-humorada, nem que seja apenas no traço. E é uma puta oportunidade pra eu dar um gás nesse meu lado autoral, que sempre esteve latente. Sempre pintei e ilustrei autoralmente, mas ainda tem todo um trabalho que tem que ser feito... Estou na maior expectativa, tá chegando, mas eu funciono bem na pressão... pelo menos nos últimos 31 anos! (Risos)

E no geral, como você cria? Parte de uma ideia ou de um conceito pré-definido, se inspira em fatos ao seu redor ou simplesmente sai desenhando?

Geralmente tenho a ideia e quando boto no papel, mesmo que seja só pra rascunhar, ela já está bem definida na cabeça. Mas às vezes não, é um processo que nem sempre é linear. Saio na rua e ouço um cara falando uma merda, acho engraçado e aquilo me lembra de alguma outra coisa, que me dá uma ideia que às vezes não tem nada a ver com a merda que o cara falou! (Risos)

Defina seu trabalho em uma frase curta, estilo frase de msn ou twitter.

(Risos) [Mari diz] Você faz esse tipo de tortura com todo mundo que entrevista, tipo Marília Gabriela?

(Risos) Não, mas quando é com amigo tem que dar uma judiada, né? Quem vai ao programa dela já sabe que tem que chegar com uma frase pronta na ponta da língua. Então, assim, de surpresa é mais divertido!

A Mari mandou outro dia uma que me define bem: "Se Deus escreve certo por linhas tortas porque eu é que vou ter que fazer linhas retas?" (risos)

Para terminar, gostaria de dizer mais alguma coisa em sua defesa?

(Risos) Deixa eu pensar... "Quem não deve não treme!"

 

Veja Mais:

www.mottamobil.blogspot.com

Fabio Zimbres

2009-11-04T12:01:00Z

Desenhos de Sucata

Por Tiago Mesquita . Fotos Marina Camargo 

Contar a piada: Meio

Em 2000, Fabio Zimbres lançou um daqueles divertidos livros animados, em que as figuras se mexem enquanto folheamos rapidamente. Trata-se de uma narrativa muito simples, na verdade uma gag, típica de antigos programas humorísticos. Acredito que a pequena peça seja exemplar da linguagem de Zimbres nos desenhos, quadrinhos e ilustrações.

O livro dedicava-se ao decoro, aos bons costumes e ao respeito ao próximo. Não por acaso, foi intitulado Bem Educado. O artista gosta do assunto. Tanto que reuniu alguns dos seus desenhos e pinturas em um volume chamado Guia Prático de Boas Maneiras. Alguns de seus personagens, como Hugo, das tiras do álbum Vida Boa (2009), e Alcides, em Música Para Antropomorfos (2007) perdem um tempão escutando ou se auto-punindo pela inadequação às regras do "bom comportamento".

Em Bem Educado, dois personagens de chapéu se encontravam e se cumprimentavam. Um deles era a caricatura do homem sem qualidades. Desenhado esquematicamente, não tinha maiores características e nem detalhes que o singularizassem. Por isso, poderia estar tanto na margem direita superior de um convite de festa junina, como ocupar a estampa daqueles belos pijamas confeccionados na cidade de Borda da Mata (MG). Tal como as figuras egípcias nos hieróglifos e nas tumbas da antiguidade, era desenhado com a cabeça de perfil, o corpo de frente e os dois pés, lado a lado, idênticos, sem parte de dentro e nem parte de fora. Era uma forma idealizada, sem carne nem particularidades. Zimbres não dava pista de quem era o sujeito, mas colocava botõezinhos no que parecia ser sua camisa e um chapéu na sua cabeça. O figurino transformava aquelas formas simples e dóceis, aquela silhueta achatada, com membros como apêndices, em um caipira, vestido como os homens de respeito se apresentavam no Brasil antes da década de 50 e continuam a se apresentar nas zonas rurais. Diante dele, um robô, feito com peças quadriculadas, de chapéu na cabeça e sunga nas partes pudorentas. Ele aparecia de frente, olhando para nós, que manuseamos o caderninho, e não voltava o olhar para o seu interlocutor.

Como muitos dos personagens de Zimbres - sejam eles humanos, cachorros que falam, vestem terno, desenhos que se destacaram do papel - o robô parecia uma montagem de blocos coloridinhos a andar pelas ruas. Mecanicamente, guardava semelhanças com o homem, e fazia um gesto banal, mas recomendável quando alguém que merece respeito aparece diante de você. O caipira tirava o chapéu da cabeça e saudava a máquina, demonstrando cortesia. O robô, tão simples e cortês quanto seu interlocutor, notava a boa vontade e repetia o cumprimento. Notávamos aí que o decoro era um gesto automático, como se o robô estivesse aprendendo a ser gentil - ao retirar o chapéu, retribuindo uma gentileza, ele não notava que tirava fora sua cabeça. A máquina pifava e o caipira se assustava com o suicídio cometido pelo robô em nome dos bons modos. Como boa parte das histórias de Zimbres, o desfecho era ao mesmo tempo trágico e cômico.

De forma condensada, o trabalho parece revelar alguns assuntos recorrentes na obra do artista. O primeiro, e mais evidente, é colocar, em um espaço meio indistinto, figuras que não parecem pertencer ao mesmo mundo. Ninguém espera que um robô conviva com um caipira a ponto de cumprimentá-lo na rua. Outra coisa que interessa Zimbres é remover a cabeça e outras partes do corpo de seus personagens. Agora mesmo, em 2009, ele mostrou uma série de desenhos à caneta em que figuravam disquetes, fitas cassete e outros objetos desmontados. As peças, afastadas umas das outras por linhas tracejadas, pareciam disponíveis para fazer qualquer coisa. Como em suas histórias, ele desmonta e remonta, faz da narrativa o que quer.

Desmontar: Começo

Em outros momentos, Zimbres deu sentidos diferentes à mutilação. Começamos do meio, então voltemos ao começo. Ainda na década de oitenta, Zimbres editava a revista Animal junto com Newton Foot, Priscila Farias e Rogério de Campos. Já no primeiro exemplar, ilustrava o índice com uma série de nove desenhos em que aproveitava a cabeça de um rato e a colocava sobre nove corpos diferentes, separados à mesma distância; um padrão de fazer inveja a quem arranja as prateleiras dos melhores supermercados e a qualquer artista do minimalismo.

A cabeça de rato se parecia muito com a cabeça do Mickey, mas sem os traços de neotenia que nos fazem ver no personagem de Walt Disney uma figura bonitinha que nunca envelhece. Em cada uma de suas nove aparições, o rato era uma coisa diferente. Surgia com a blusa do Pato Donald e os membros inferiores de um rato de esgoto; com as luvas e sapatos do Mickey, mas nu, com o sexo exposto; como robô, executivo, super-herói, super-herói decadente e dançarina havaiana.

Ao deslocar uma parte do corpo de um ícone dos quadrinhos e montá-lo nas partes de outros personagens, Zimbres subvertia o sentido daquelas figuras e mostrava a que a sua geração vinha. No seu desenho, o rato continua a ser Mickey, mas menos idealizado e mais trágico, como se tirasse a fantasia e largasse com ela toda a segurança de um desenrolar previsível e feliz. Agora a vida dele era vivenciada como a nossa. Essa nova abordagem dos personagens e das narrativas dos quadrinhos era almejada por boa parte dos autores e editores da Animal. Figuraram, naquelas páginas, gigantes como Vuillemin, Andrea Pazienza, Jaca, Gary Panter, Filipo Scozzari etc. Buscavam uma renovação da narrativa e do desenho nos quadrinhos. Desde o uso de balões até a disposição dos quadros na página, tudo podia ser repensado.

Zimbres e seus parceiros de jornada buscavam o mesmo tipo de liberdade narrativa e de desenho livre, sem nem a infantilização do traço nem o kitsch musculoso das revistas de herói. A ideia hegemônica de underground ainda tinha algum sentido contestador. Procurava-se afirmar um gosto que não é o estabelecido e não quer ser refinado, mas que procura contar algo novo, que até então não interessava a ninguém. Mas, ao contrário dos comix dos anos sessenta, que criaram a HQ underground, os quadrinhos de Zimbres não buscavam uma relação com as alucinações e nem com realidades subterrâneas, cheias de aspectos repugnantes, sexo e excrementos. Sua abordagem não era de um realismo ao modo de Daumier ou os Freak Brothers, de Gilbert Shelton. Como na história do caipira e do robô, lhe interessam situações corriqueiras - aliás, absurdas de tão corriqueiras.

Uma de suas primeiras páginas, de 1990, foi a série Minha Vida de Cachorro. Nela, um personagem com cara de cachorro e corpo de gente, como o Pateta, aparecia flutuando sob um feixe de luz, como em um programa de TV, e dizia: "levitar é fácil, basta tirar os pés do chão". Nada de fato acontecia e ele não nos ensinava nada.

Em vez de recriar as alucinações, o artista desfazia a ilusão e, com o tempo, passou a se ocupar de ilusões cada vez mais complexas. Fez formas de desenhar mais simples e modos ainda mais sofisticados de dispor as figuras na página. Em 1991, com a Animal na raspa do tacho e o amor no peito, Fabio Zimbres mudou-se para Porto Alegre. Lá, se aproximou das artes plásticas e aprofundou sua pesquisa. Sua abordagem dos quadrinhos passou a lidar com o espaço da página e distribuir narrativas simultâneas, que muitas vezes se sobrepunham umas às outras. As formas de decompor e desconstruir, antes temáticas, passaram a se ocupar com a narrativa e o modo como ordenar a passagem de uma página à seguinte. Por isso, ele passou a se dedicar cada vez mais ao desenho, à pintura e à ilustração.

Curiosamente, o raciocínio trabalhou com algumas questões que perpassaram boa parte da produção pictórica da década de oitenta. Muito da pintura feita naquela época se dedicava a sobrepor e relacionar figuras que pareciam pertencer a momentos diferentes. O trabalho de David Salle foi o exemplo mais caricato desse tipo de trabalho. Lá, duas instâncias de pintura falam de forma cínica sobre uma moralidade sexual. Uma camada é mais realista, outra um desenho transparente que aparece sobreposto à imagem mais convencional. Embora essa sobreposição tenha ótimos resultados na pintura de um Julian Schnabel, considero fraco o modo como Salle associa uma parte à outra. O artista usa uma imagem como espécie de sentido oculto da cena pintada com mais rigor. A figura mais apagada explica e condena a outra.

Salle não inventou isso e nem estava sozinho: era o espírito de uma época, e ótimos artistas brasileiros trabalharam a questão muito bem. No trabalho de Zimbres, acredito que isso tenha aparecido por ele trabalhar no entrecruzar de diversas poéticas. Agora, nada mais distante da produção de Zimbres do que essa intenção didática. O que ele consegue com essa sobreposição é criar associações livres. A ideia, creio eu, veio dos quadrinhos. Como ele tem uma cultura de quadrinhos maior que a biblioteca de Alexandria, seu raciocínio em pintura e em desenho sempre acompanhou uma reflexão sobre a linguagem. O artista também foi editor, por anos, da coluna Maudito Fanzine, em que acompanhava a produção de zines de todos os cantos. Talvez por isso ele tenha encontrado na produção de livros de artista a melhor forma de reunir aquele raciocínio de pintura e ilustração com o das narrativas sequenciais. Já em suas primeiras tiras, havia uma espécie de indefinição do lugar onde acontecem as cenas e uma omissão do que acontece no intervalo entre um quadrinho e outro.

Quando o desenhista começou a trabalhar os seus livros de artista, como Adelante, A Luta Entre o Bem e o Mal e Balanço Anual, os assuntos passaram a ser a forma de o desenho ocupar a página, a falta de sentido de signos soltos e mesmo a tentativa de retirar qualquer sentido moral das figuras. O traço do artista tentava diminuir a zero o grau de interpretação. Não se tratava mais de quadrados que criavam uma narrativa no tempo, mas figuras que ocupavam um espaço e faziam algo naquelas páginas por se associarem de uma forma meio solta.

Livros como As Férias de Hércules e o trabalho magistral feito a partir do poema Panamá (2004), de Blaise Cendrars, aproveitam o caráter gráfico e intercambiável das figuras, que muitas vezes são tratadas como caracteres soltos no espaço, que mudam de sentido de acordo com o contexto. Como palavras que, utilizadas em um lugar diferente, aludem a sentidos diversos. Em seu gibi Música Para Antropomorfos (2007), um homem esquisito é apresentado como um sujeito solitário, a criar bichos de sucata e atribuir vida a eles, e depois é mostrado como um prédio. Torna-se um grande empreendimento imobiliário, onde acontecem golpes de estado, programas culturais e todo o tipo de absurdo da razão.

A partir desse momento, o artista estabelece uma relação solta entre os elementos. As cenas são sugeridas, mas cheias de interferências. A ilusão feita e refeita pela proximidade das figuras. Quando refaz as imagens de Cendrars em Panamá, Zimbres procura isso. Aqui, permito-me aproximar alguns desses procedimentos poéticos de decisões das primeiras vanguardas modernistas. Por um lado, a associação vem do trabalho feito a partir do poema de Cendrars, mas essa dissolução da cena cria relações soltas entre as figuras e mesmo entre os elementos de cada figura.

Mal comparando, quando Picasso e Braque, em 1908, durante o chamado cubismo analítico, resolveram desmanchar o volume e dissociar os contornos e cores do desenho, criaram outras relações e trouxeram liberdade para a arte. Logo, as faces de uma paisagem eram tão planas quanto as letras da tipografia e, assim, passavam a se relacionar como elementos superficiais. Esses elementos por vezes sugeriam imagens, por vezes apenas uma coisa ao lado da outra. Mas se tratava de um período heróico da modernidade, com confiança na razão e no seu potencial de colocar as coisas juntas.

Fabio Zimbres trabalha em outro período, a partir de outros elementos. Por exemplo, figura material obsoleto, fitas, disquetes. Imagens gastas, como a do Mickey. Desenhos e figuras se parecem com resíduos de um futuro que já passou. Por isso, ainda se trata da ilusão. Em Música Para Antropomorfos, a manutenção da primeira edição de alguns livros e a audição de discos na prensagem original faz toda a diferença. Os personagens, que acreditam viver em um ambiente superior - quando vivem enclausurados em um robô -, acreditam que um disco de vinil modificará a vida de um sujeito de um modo que a cópia digital jamais fará. Enquanto vivem um golpe de Estado, perdem tempo com discussões vitais sobre as diferenças de tradução do sábio Undraganah por Jundaí e Thelonious Monk.

Juntar as peças: Final

Para encerrarmos com o fim, em 2009 Fabio Zimbres lança Vida Boa. Nele, o artista reuniu as tiras que ele publicou entre 1999 e 2001 na Folha de S Paulo, fez mais quarenta tiras e arrumou tudo em uma história. Acompanhamos as desventuras de um cachorro antropomorfizado a lamentar sua falta de sorte, seu fracasso e celebrar as suas conquistas para um copo.

O objeto começa a falar depois que um dos amigos de Hugo, também com cara de cachorro, diz que "Deus poderia ser um copo". E o copo responde. Depois disso, não sabemos se os diálogos com o copo são o superego do protagonista ou um objeto bem acabado a caçoar da vida patética dele. O fato é que Hugo passa a depender completamente da interlocução com o objeto, tal como muitas outras formas de oráculo ou de manias que criamos para a vida. Mas a maior ilusão de Hugo é a de que amanhã, tudo bem. Pouco a pouco ele perde quase tudo, menos a esperança de dias felizes. O tema também aparece nos desenhos que o artista expôs este ano em uma coletiva em Porto Alegre. Em trabalhos feitos a caneta, pedaços de figuração parecem inventar espaços domésticos e paisagens quase primitivas. Tudo parece meio falso, como as promessas que fazemos pra nós mesmos deitados na cama.

Em 2006, Zimbres publicou um artigo no jornal da Sociedade dos Ilustradores do Brasil. Nele, concluía: "Se o mercado de ilustração se resumisse a fazer sempre o que o editor quer, eu estaria fazendo outra coisa. Não porque ache isso menor, mas porque é uma forma de trabalhar que não me interessa pessoalmente. O mercado de ilustração é vasto e há muita coisa diferente para se fazer. O importante é cada artista achar seu lugar." Fabio Zimbres achou o seu, e é um universo.

Saiba mais:

www.fzimbres.com.br

Fefê Talavera

2009-09-15T19:16:00Z

Lil Monsta – Entrevista com Fefê Talavera

Por Tiago Moraes

Todo mundo tem seus monstros. Sentimentos como medo, raiva, e culpa que, para não serem somatizados e atingirem proporções gigantescas, precisam ser exteriorizados de alguma forma.

Fernanda Salinas Talavera, ou simplesmente Fefê Talavera, usa a sua arte para colocar para fora todos os seus, e pouco a pouco vai se libertando de sentimentos que a cutucam e incomodam.

Brasileira de raízes mexicanas, essa artista de 29 anos formada na FAAP, e pós-graduada nas ruas, reside atualmente em Madri com o marido, o também artista francês Remed. Mas seu espírito livre e inquieto faz com que possa ser encontrada em qualquer parte do mundo, seja pintando um muro na Itália, expondo num museu em Ottawa ou cantando num palco para milhares de pessoas na Malásia.

Você se lembra de quando e como começou a se interessar por arte?

Sempre me interessei, desde pequena, meu pai costumava me ensinar a pintar com aquarela e pastel seco. Eu ficava maravilhada com as cores, os cheiros e a facilidade que ele tinha pra fazer qualquer coisa. Acredito que tenha sido o meu maior exemplo. Os meus pais sempre me apoiaram, a casa deles é cheia de arte. Também tive aula com a Leda Catunda, foi com ela que fiz meu primeiro quadro, e depois de um tempo me interessei em começar a fazer coisas na rua…

Você se formou em artes plásticas na FAAP, uma das escolas de arte mais tradicionais e renomadas do país. Paralelamente, experimentou muito nas ruas, e se envolveu com a cena de arte urbana justamente em um momento em que o graffiti tradicional começou a dividir os muros com outros tipos de intervenções. O que você aprendeu de importante na faculdade que nunca aprenderia na rua e o que aprendeu na rua que nunca aprenderia numa faculdade?

Aprendi que para ser artista você precisa ser livre, não precisa de uma faculdade. Ela me limitou muito, eu entrei lá livre e saí completamente bloqueada. Você até aprende coisas importantes, como História da Arte uma pequena noção das técnicas, mas é só isso. De resto, eu me irritava muitíssimo em ter que fazer o que o professor queria e não o que eu queria. Quem é ele para dizer se minha arte está certa ou errada? Na FAAP está cheio de professor/artista fajuto, muita panelinha, muita arrogância, muito conceito…blah!! Não aguento!!!
Já na rua é outra história, não existem regras. Se você quiser expor seu trabalho você vai lá, faz e pronto, está lá, à disposição de quem quiser ver. A quantidade de gente que vê o seu trabalho é enorme, e o mais legal é que não é só a galera que frequenta galerias de arte, mas o jornaleiro, a senhorinha que lava os banheiros do hospital, o porteiro, e até mesmo o curador da Bienal. Na rua a gente tem mais possibilidades de aproveitar o espaço, de fazer cada vez maior e de experimentar diferentes tipos de superfícies.

Você teve uma fase bem marcante com os seus bichos (ou monstros) tipográficos, feitos com tipos recortados de cartazes de lambe-lambe, e com isso conseguiu respeito e reconhecimento não só na comunidade de arte urbana como também entre os tipógrafos. Fale um pouco dessa fase e do que essas criaturas representavam para você.

Fazer os bichos tipográficos para mim foi um grande passo na minha carreira de artista. Comecei pintando em pôsteres velhos e colando na rua, daí percebi que esses pôsteres por si só já eram uma obra de arte. Aquelas letras tinham vida para mim, eram tão bonitas que eu comecei a recortá-las em grande quantidade e, como eu já fazia os monstros, resolvi tentar com a colagem, e deu certo. Essa fase foi super boa, porque foi a época em que conheci os meus mais queridos amigos. O Flip me convidou pra expor na Most, foi a minha primeira individual, e na sequência as coisas começaram a acontecer. Comecei a fazer mais exposições na Choque Cultural, e depois começaram as rolar os convites para exposições no exterior.

Você ainda pretende acordar essas criaturas de novo um dia ou aquilo foi só uma fase que não pretende retomar?

Claro, elas continuam vivas, só preciso arranjar um tempo para cortar letras – demora muito e eu me desespero. Gosto de mudar sempre, de descobrir novas técnicas, de ir reciclando tudo que eu já fiz.

Li em algum lugar que esses seus monstros são a sua maneira de exteriorizar toda a raiva, o medo, os sonhos e desejos. O que deixa você com raiva hoje? E com medo? Com o que você mais sonha? E o que mais deseja?

O que mais me deixa com raiva é a ignorância, a prepotência e a crueldade. Tenho medo da dor de perder alguém que eu amo. Sonho em ter mais paciência com as pessoas… e desejo conseguir sobreviver mais alguns anos fazendo arte.

Sua arte traz influências astecas e maias, e isso faz todo o sentido, já que você tem raízes no México, berço dessas culturas . Por outro lado, você cresceu e passou toda a infância e adolescência em São Paulo. Qual das duas culturas mais influenciou e moldou o seu trabalho até chegar ao que é hoje?

As duas culturas são uma grande influência. Dentro de casa a minha cultura sempre foi a mexicana, já fora de casa foi a brasileira, então fica meio difícil… Mas acho que no geral a cultura mexicana me influenciou mais…

Hoje você mora em Madri. Quais as principais diferenças que você vê na cena cultural de Madri e da Europa como um todo em relação ao Brasil?

A cena cultural aqui é incrível, os europeus têm sorte nisso, têm sempre shows, espetáculos, têm sempre milhões de coisas interessantes para ver, coisa que no Brasil não tem. Acho muito prazeroso sentar num parque super bem cuidado, ir aos museus, no verão tem muita coisa pra fazer, tem cinema ao ar livre, tem pracinha onde todo mundo senta pra bater um papo e tomar cerveja, tem festa de bairro, tem uns lagos para andar de canoa com o namorado…

Você se casou recentemente com o Remed, um francês que também é artista. Onde e como se conheceram? Foi no Brasil ou na Europa?

Nos conhecemos em Barcelona, numa exposição dele na Montana Gallery. Quando vi a arte dele pela primeira vez, me apaixonei pelo traço e principalmente pelas letras e significados. Logo depois a gente foi pintar juntos na rua e foi aí que o nosso amor nasceu.

Vi que vocês têm pintado muito juntos… Não só diversos murais nas ruas como também telas. Como funciona o processo criativo de vocês? E como é pintar em conjunto? Quando você pinta com ele é diferende de quando pinta com algum outro artista?

Pintar com o Remed é bem difícil. A gente é muito diferente, e tem uma grande intimidade de marido e mulher, e esse tipo de intimidade é bem diferente de quando eu pinto com algum outro artista, a não ser que seja alguém muito meu amigo também. A gente sempre briga quando pinta junto, não tem jeito! Eu não entendo por que ele não me deixa à vontade, coisa que com qualquer outro artista não acontece… Sinto que ele não me dá espaço, que é ele que sempre tem as idéias, e quando sinto que estou conseguindo me liberar ele vai e apaga a minha pintura… Que raiva!

Em relação às pinturas que você faz na rua, muitas pessoas relacionam diretamente ao graffiti, quando sei que prefere relacionar o seu trabalho na rua com o muralismo. Fale um pouco sobre isso, explique essa diferença.

A real é que eu nunca fui grafiteira, pintar com o spray para mim é só mais uma técnica como qualquer outra. As pessoas é que adoram classificar tudo, dizer que a Fefê é isso ou aquilo… Eu pinto junto com artistas que grafitam há anos, e nunca pensei em me tornar uma grafiteira, primeiro porque não faço bomb, segundo porque a minha técnica no graffiti é péssima! Também não sigo nenhuma doutrina do graffiti, acho muito pequeno se fechar num mundinho em que você só pinta com essas pessoas ou só escuta esse tipo de música, ou só sai com essa galera… fica muito vazio. É tão mais interessante conhecer outras técnicas, outras culturas, outras ideias, do que ficar nesse círculo vicioso que não ensina nada. Eu não só pinto muro como pinto qualquer suporte que eu encontre. Prefiro ser chamada de artista do que de muralista, ou grafiteira, ou qualquer outra coisa.

No ano passado você fez uma exposição em Amsterdam junto com o Doze Green, uma das maiores lendas do graffiti mundial. Como rolou essa conexão e como foi a experiência?

A conexão que rolou com o Doze foi quando o conheci em Nova York, em uma exposição de que participei junto com outros artistas brasileiros. A gente se viu uma vez e já rolou uma ligação muito forte, então decidimos fazer uma expo juntos. Começamos a trocar ideias pela internet e descobrimos que havia muito em comum no que pensávamos e no que a gente fazia, até que um dia ele me chamou pra fazer uma expo com ele em Amsterdam.
A experiência da exposição com ele foi bem intensa, ele já é mais velho e tem umas manias a que eu não estava acostumada. Como sou uma pessoa de forte caráter, não suportava muita coisa que ele fazia, não estou acostumada com esse tipo de macho e às vezes a gente saía no pau. Passamos um mês trabalhando juntos, e no final deu no que deu… Fizemos uma puta tela legal juntos, mas a relação acabou aí.

Pelo seu flickr dá pra perceber que você está viajando muito, pintando com diversos artistas, expondo seu trabalho em diversos países. É a vida que você sempre quis ou ainda falta alguma coisa?

Eu penso que não poderia ser outra coisa na vida senão artista. É o que sempre quis, até de país eu mudei, acho que tenho muita sorte por tudo que tem acontecido… O que falta para tudo sair perfeito mesmo agora é começar a vender mais. A crise aqui na Europa está super forte, então a vida fica bem mais difícil, e não rola ficar trabalhando para os outros de graça, isso eu não faço, exijo o respeito que todo artista deveria exigir sempre.

Você parece transitar com facilidade por diversas técnicas, como o desenho, a pintura, as colagens e os carvings. Tem alguma que é a sua predileta ou depende muito do dia, do humor?

Toda técnica me fascina, e tem aquelas para que a gente leva mais jeito… Acho que vai muito do dia, às vezes só quero desenhar, outras só quero riscar, outras colar… E tem aqueles dias que nada sai do jeito que você quer. Muitas vezes prefiro pintar quando estou muito triste, assim coloco toda a minha energia naquilo.

Fale um pouco do seu projeto musical, Lil Monsta. É mais uma válvula de escape para soltar os monstros, colocar a raiva pra fora?

Total, é mais uma técnica! Mas com música é bem diferente. Eu amo música, e respeito muito. Comecei a cantar porque tinha um namorado que era produtor na Áustria. Ele dividia o estúdio com o Stereotyp, e um dia eles me pediram para fazer um freestyle em português. E eu comecei a rir, sou bem tímida, mas pensei que não tinha nada a perder e tentei. Lembro que sentia as minhas bochechas bem quentes (risos), devia estar roxa de vergonha. E eles gostaram do resultado e mandaram o acapella para uma porrada de produtores pelo mundo. Foi assim que eu comecei, e depois alguns músicos começaram a me chamar pra cantar… Achei tudo isso muita loucura, porque nem pensava nisso, que um dia isso pudesse acontecer.

Qual a influência que a música exerce no seu trabalho como artista? E, agora que você também tem esse projeto musical, o que leva da sua arte para a sua música?

Sempre fui muito ligada à música, sempre gostei de trabalhar com músicos que admiro, como Stereotyp, Al Haca e The Bug. Colaborei com eles fazendo som e arte, às vezes só para uma mixtape, e outras fazendo a capa do disco.
Faço parte de um projeto que se chama Crunchtime junto com diversos artistas de diferentes áreas e de diferentes culturas, e sempre nos reunimos para criar juntos. E não importa se alguém não sabe pintar, ou cantar, ou dançar, todo mundo faz tudo. Basicamente a ideia é se divertir e entreter quem está assistindo. As pessoas que fazem parte desse projeto são muito talentosas, e vale a pena trabalhar com elas porque sempre rola uma troca musical ou artística muito forte.

Você sempre acompanhou de perto a cena underground de música e arte aqui no Brasil. O que tem ouvido e visto de bom e novo aí pelas suas andanças na Europa?

Sempre conheço muita gente por cada lugar que passo. Recentemente conheci duas artistas incríveis, italianas, uma é a Pona e a outra é a Arianna Vairo. Elas são bem jovens, e ambas têm um talento incrível, vale a pena dar uma olhada. Já na música o que eu tô mais ouvindo agora é Major Lazer, projeto do Diplo com o Switch, uma mistura de dancehall com eletrônico. Outros que não saem do meu ipod são o Boxcutter, que é mais tranquilo, tem bastante dub, dubstep, glitch e minimal e o Sa-Ra, mais pro electrosoul, hip-hop, são 3 produtores americanos foda!

O que podemos esperar da Fefê num futuro próximo? Exposições? Shows? Pretende visitar o Brasil em breve?

Brasil sim, possivelmente ainda esse ano. Exposições tenho uma em outubro em Ottawa, na Canteen Gallery, e também uma em Bilbao, na SC Gallery… Sobre shows, nenhum marcado no momento.

Quer mandar alguma mensagem final?

Um “big up” para toda a minha família, para o maridão e para os amigos mais próximos que nunca me abandonaram.

Veja e ouça mais:

flickr.com/fefe_talavera
fefetalavera.blogspot.com/
myspace.com/lilmonstaff
crunchtime-records.com

Billy Argel

2009-07-24T14:16:00Z

Só os mortos não reclamam 

Por Tiago Moraes

Adherbal “Billy” Argel era, até alguns anos atrás, um herói praticamente esquecido. Uma injustiça para alguém que criou, praticamente sozinho, toda a estética do skate, do surf e do punk no Brasil na década de 1980.

Lembro até hoje da sensação incrível que era, no auge da minha pré-adolescência, entrar em uma loja de skate e olhar para aquelas paredes imensas, forradas de shapes incrivelmente coloridos, com desenhos de cruzes, adagas, dragões, morcegos, caveiras e todos os tipos de monstros e criaturas bizarras. Billy sabia como ninguém representar graficamente a verdadeira atitude e rebeldia que o skate representava, em um mercado em que muito se copiava e pouco se criava.

Aprendi com o skate e com o punk-rock muito mais do que qualquer professor poderia me ensinar na escola, e o mais interessante é que a arte sempre esteve presente nisso tudo, seja na capa de um disco, num pôster de show ou na parte de baixo de um skate.

No ano passado, no suntuoso espaço Santander Cultural em Porto Alegre, um dos segredos mais bem guardados da arte underground brasileira foi finalmente revelado para o mundo. As artes de Billy, que antes eram literalmente massacradas em corrimãos e bordas até praticamente sumirem, ganharam agora status de obra de arte.

Quando que você começou a desenhar skates?
Eu já desenhava desde moleque. Foi uma coisa natural, eu ficava desenhando na classe – quando você não tem muita motivação na aula, fica desenhando. Já tinha feito algo embaixo de um skate, mas nada sério. Quando eu vi os skates da Dogtown, achei do caralho. Aquelas cruzes eram um símbolo muito forte.

Como rolou o seu primeiro desenho para um shape? Foi o model do Porquê para a Urgh, não foi?
Foi. Conheci o Porquê na época da Wave Park, quando deram esse apelido. Ele ficava o dia inteiro na pista fazendo perguntas do tipo “por que essa roda é boa?”, “ah, porque é boa”, “mas por que é boa?”, “porque tem rolamento?”, “por que isso?”, “por que aquilo?”, e a gente “Ô, Porquê, dá um tempo”. Outro dia ele apareceu com o irmão, aí todo mundo falou, “esse aí então é o Poisé”. O pessoal não perdoava (risos). O Porquê me deu o shape e falou: “o model não está definido, mas eu quero que você faça um desenho”. Eu topei, só que trabalhava numa agência e não dei muita atenção. Eu ia fazer quando tivesse uma folga. Um dia ele me ligou e perguntou se já estava pronto. Eu disse que sim. Aí ele disse: “tô passando aí, o shape já vai ser lançado e estamos em cima da hora”. Peguei um papel na hora e desenhei umas caveiras. Fui colocando embaixo do vegetal, copiando com um pincel, escrevi o Porquê, fiz a outra cor no pincel, com traços grossos. Pra época ficou muito bom, tanto é que o Jorge [Kuge, dono da Urgh!] me encomendou uma nova série logo depois.

Foi aí que começou a Highgraph?
Isso, eu saí da agência e montei o estúdio. Aí não parou mais de chegar trabalho. Também montei uma marca, a Mr. Fink. A minha ideia era vender por reembolso postal, em revistas como a Bizz. A marca vendia bem, chegou até a ser vendida na [extinta rede de lojas] Fruto Verde. Eu atendia muitas marcas de skate e surf, como Urgh!, Lifestyle, Caos, Stanley, Superphen, Cush, Anarquia, Slide, Varial, Billabong, Mango. Pensei “eu entendo desse mercado, sei do que ele precisa: de tudo que é contrário, contracultura”. Na época eu nem sabia o que era isso, mas eu vivia, saca? Depois chegamos até a trabalhar para empresas maiores, como a Vasp e a Hobby (antiga rede de clubes esportivos de São Paulo). Tinha umas dez pessoas comigo, mas o meu negócio era o skate. Quer coisa melhor do que fazer o que gosta e ainda ganhar uma grana?

Os caras pagavam bem por esse tipo de trabalho na época?
Pagavam, a gente vivia bem. Eu costumava dizer que brincava de ganhar dinheiro. Além de ter uma demanda muito grande, o mercado estava favorável, e nossos trabalhos efetivamente faziam as vendas aumentar, então os caras sempre voltavam. Além disso, rolava identificação, porque a gente falava a mesma língua.

Você ia atrás de trabalho ou essas marcas vinham até você?
Elas vinham. No começo simplesmente não tinha concorrente. Depois começou a pintar gente querendo ensaiar algumas coisas no computador, e eu falava: “meu, o negócio é fazer na mão mesmo!” Mas a real é que eu também queria ter um computador, só que não tinha grana, nem sabia onde comprar. E eu sempre pirei em letras, para mim a tipografia é 80, 90% do design. Então [com o surgimento do computador], eu pensei: “agora vou poder pegar todos esses livros de fontes, jogar no computador e sair escrevendo o que eu quiser”. E agora a minha pira é criar fontes. Fiquei uns seis meses só fazendo fonte, sem botar a cara fora de casa. Queria fazer uma quantidade legal e sentir a resposta na internet. Tenho muitas inéditas, estou para montar um site.

Qual foi a sensação quando você viu alguém usando um shape que desenhou pela primeira vez?
Sabe o que eu pensava? Eu quero mais! Queria ver a minha parede cheia de skate. Coleciono várias coisas, como você pode ver: guitarra, anel de caveira, moto, lata de spray. Acho que é um pouco de medo, porque quando eu era moleque não tinha as coisas. Lembro que a gente já passou dificuldades – não fome, mas saía do colégio pago e ia pro do governo, não tinha grana pra comer lanche no recreio.

Quais eram suas maiores influências e inspirações na época?
Sem dúvida alguma todas as artes do Jim Phillips para a Santa Cruz, as da Powell... Meu estilo até hoje é o que eu via quando moleque, arte que pegava na veia mesmo. Eu gostava de coisa horrorosa, impressionante. A revista Heavy Metal, que veio quando eu já era adolescente, tinha tudo que estava rolando de mais foda: Moebius, Ranxerox... Era a bíblia do desenho. Na época não tinha internet, precisava juntar uma puta grana para comprar um livro e ter acesso. Outra influência sem dúvida foi o Big Daddy (Ed Roth), com aqueles carros envenenados, os dragsters e o Rat Fink. E depois veio o punk.

Como foi a tua incursão no punk?
Foi uma coisa de identificação mesmo. Lembro quando eu li a primeira matéria sobre os Sex Pistols, na Manchete, falando de um novo fenômeno na Europa. Vi as fotos dos caras e falei “caralho”. E não era aquele som pesado, hardcore, que veio um pouco depois. Era um som mais com ideias. Nessa época eu estava ligado numa coisa mais imediata, eu vinha do rock pesado anterior ao metal e percebi que tinha a ver com os desenhos em nanquim do punk. Foi um negócio do caralho, você via um Duane Peters, um Steve Olson Olson (skatistas ligados ao movimento skate-punk). Eu já gostava de All Star, e os caras usavam. Quando você vai ver, está tudo interligado.

E aí você já quis montar banda, tocar?
Eu queria tocar Black Sabbath, mas como andava com os punks não podia falar que gostava de Ozzy, AC/DC. Só que eu gostava muito. Depois de um puta tempo, fiquei sabendo que os punks que andavam comigo também gostavam de Sabbath, só que ninguém falava. Nessa época não podia, senão você era execrado (risos).

E de bandas nacionais, o que você curtia?
Ratos de Porão foi uma puta referência pra mim, Olho Seco, Desordeiros, Fogo Cruzado. Sabe o que foi legal do punk? Foi a primeira galera que eu vi fazer sem ter condição nenhuma. Todo mundo pode fazer o que quiser, basta querer!

Teve um período em que você se afastou um pouco da cena. Algum motivo em especial?
Não foi nada com relação à minha arte, foram problemas pessoais. Nem gosto muito de falar disso. Fui embora porque me decepcionei com muita gente, mas quero deixar claro que não foi nada em relação à minha arte e ao skate. Foi um lance muito foda, de traição mesmo. Não que eu tenha raiva de alguém hoje, mas algumas pessoas não precisavam ter feito o que fizeram. Mas acho que o mais legal de tudo é que eu dei a volta por cima e hoje acredito nas pessoas como acreditava antes. Acho que a verdade prevalece sempre. Eu fechei a Highgraff, mandei todo mundo embora, vendi meu apartamento e fui pro interior. Fiquei numa fazenda, junto com os peões, trabalhando, dormindo cedo, acordando de madrugada. Apartava o gado, levava pro leilão, ia comprar alfafa no Paraná... Mudei completamente de vida. Continuei desenhando, só que para aquele mercado: fiz logotipo de Haras, fiz logotipo da Rádio Cultura de Dois Córregos, que é o mesmo até hoje, fiz o logotipo da prefeitura.

E Floripa, foi depois disso?
Isso, quando nasceu meu segundo filho. Eu já estava de volta, trabalhando com várias marcas de novo – Billabong, Stanley. O pessoal da Stanley estava em Floripa e eu ia lá duas vezes por ano. Aí meu casamento não deu certo. Já tinha nascido o segundo filho, eu tinha um apartamento, estava estruturado de novo. Fiz uma mala de roupa e fui pra lá dar um tempo. Acabei ficando quase 5 anos.

Você acompanhava o que estava rolando por aqui?
Não. Não que tenha esquecido, é difícil esquecer a origem. E eu tinha um patrimônio, minha mãe sempre morou aqui e cuidou das minhas coisas. Tenho originais guardados, fotolitos, letrasets, até xerox. Procurei sempre ser correto, não tenho vergonha de nada que fiz. Meu espaço já estava conquistado, não tinha que provar nada pra ninguém, sacou? Então eu pensei, “as próximas gerações vão escrever a história delas”. Agora eu voltei porque conheci o Farofa, Danielone, você, Pexão.

A Transfer, por sinal, foi uma das maiores, senão a maior mostra de arte urbana no Brasil até hoje. Você teve uma forte participação nela. Fale um pouco a respeito.
Ali havia pessoas que vivenciaram aquela época, mas do outro lado. Achei legal a oportunidade de poder mostrar o lado de quem produziu, e a razão disso. Não fui com o intuito de vender um produto a mais para um moleque, porque a melhor fase da minha juventude foi fazendo tudo aquilo. Hoje, eu me sinto novamente na melhor fase da minha vida. Estou com dois filhos crescidos, meu! Um está com 23, outro com 16, e eles estão na rua. Isso é tudo fruto do quê? De um sonho de criança.

Eu, que comecei a andar de skate em 85, 86, fui profundamente impactado pela sua arte e pela estética de skate que você ajudou a moldar. Antes de presenciar isso na Transfer, você tinha noção da força das coisas que tinha criado e do impacto que isso teve em toda uma geração?
Eu sabia que tinha, sim, exercido algum impacto. Mas não tinha noção do quanto. Na abertura da Transfer eu não conhecia ninguém, não tinha nem convite. Cheguei e falei "sou o Billy, tô entrando aí". Entrei e não dava pra andar lá dentro. Dei uma volta, vi as minhas coisas, um monte de gente olhando, apontando. Pensei, “Não é possível que essas pessoas tenham isso na história delas”. Depois encontrei o Herbert [Baglione], que veio, me abraçou e começou a me apresentar para todo mundo – para o Trampo, para o Kiko (Nunca), Tinho. Só passando por uma experiência dessas pra ter noção, me emocionou muito mesmo. Quando eu vi, estava que nem popstar, um monte de holofote, câmeras, tirando foto com artistas consagrados.

Quais outros artistas dessa nova geração você admira?
Sou fã do Sesper, Speto, Pato, Tinho, Herbert... Tem um monte de gente.

E lá fora?
Robert Williams, Rick Griffin, esses caras pra mim estão no céu. Quando eu era moleque, fiz uma viagem e voltei com um livro do Griffin. Vi aquele livro com um olho na capa e falei: “Olha só, igual ao que eu faço! Esse livro é meu!” Foi um negócio impressionante!

A receptividade que você teve na Transfer te deu um gás pra falar “agora é hora de fazer uma produção nova, cravar de vez meu nome nessa história que está rolando e crescendo?”
Nos últimos anos, experimentei bastante com novos estilos, tentei fórmulas mirabolantes, mas a real é que não posso sair do meu riscado, sabe? Estou fazendo produções novas, lógico, mas um tipo de desenho que eu sei fazer – usando novas influências, técnicas, mas tem aquela espinha dorsal. O meu estilo é o meu estilo, eu não vou mudar. Fiz umas experiências, simplifiquei, e agora voltei a criar nessa pegada mais old school mesmo, preto no branco.

Hoje, não dou tanto valor para exposição na mídia, essas coisas, mas sim para amizades verdadeiras. É muito fácil se perder, como eu já me perdi, envolto em ego, essas besteiras de querer ser melhor que os outros. Precisa tomar muito cuidado com isso, porque a fama é efêmera. O principal é a arte em si, que tem que vir da alma, ser visceral. Fazer um bonequinho qualquer, um personagem, qualquer um pode. É só um desenho.

Qual a importância do Farofa (Sesper) nessa sua nova fase?
Pô, o cara é foda! Ele me levantou de verdade na época que eu mais precisava, me fez ter coragem de sair de um emprego em que eu estava ganhando uma puta grana, mas estava infeliz. O Farofa chegou e disse: “Mano, você tá perdendo tempo!” Eu não entendia o que ele falava, mas a real é que eu estava vivendo que nem um merda. Perdi minha mulher e de repente me vi sozinho – voltei de Floripa, com dois filhos pra cuidar e completamente sem nada. Vendi minhas coisas lá, paguei as contas e vim embora. E pra aprender a ser pai? E de repente o Farofa chega do nada, falando um monte de coisas... O cara me deu uma lição de vida muito fodida, começou a me apresentar coisas, pessoas, me deu uma aula sobre a importância do meu trabalho. Foi quando eu vi que estava longe, enterrado numa firma, resignado.

Que tipo de mensagens você quer passar com a sua arte?
Não que eu seja um cara pessimista, me considero mais para realista, e eu vejo que o buraco é bem mais embaixo. O maior problema que vivemos hoje é a quantidade de gente no mundo: merda pra caramba, poluição pra caramba, não tem emprego para todo mundo, não tem comida para todo mundo. Eu não tenho nenhuma mensagem mirabolante para passar, meu berço é o punk, o inconformismo. Só os mortos não reclamam, já dizia aquela música do Lobotomia.

Saiba mais:
billyargel.com
billyargel.blogspot.com

Bruno Kurru e Renan Cruz

2009-06-08T21:32:00Z

Bruno Kurru e Renan Cruz – Brigando com Desenhos

Por Tiago Moraes e Arthur Dantas . Fotos Fernando Martins

Antes da popularização da internet, para se ver graffitis e outras manifestações de arte urbana você não tinha opção senão ir para as ruas. Pela janela de um ônibus ou trem, andando de skate pelas ruas, aqueles enormes desenhos e letras coloridas destoam do concreto cinza da cidade e fascinam.

Com a democratização da rede mundial de computadores, as fronteiras entre cidades, países e continentes desapareceram. Se antes a arte feita na rua era apreciada por um número restrito de pessoas, agora ela poderia ser vista por pessoas no mundo inteiro.

E foi em meio a milhões de computadores interligados mundo afora que a vida de Bruno Kurru, 24 anos, e Renan Cruz, 23 anos, se cruzaram. “Lembro que queria fazer uns pôsteres e em São Bernardo ainda não tinha ninguém que fazia essas coisas. Eu tinha visto algumas coisas do Obey na internet e na seqüência comecei a descobrir outras coisas. Um dia entrei no fotolog do [coletivo] SHN e vi que ali tinha um movimento rolando. Na época tinha rolado algum evento em que o Stephan [Doitschinoff], o SHN e o próprio Renan tinham participado. Foi quando decidi mandar um e-mail no mesmo dia para os três, perguntando mais ou menos as mesmas coisas. E lembro que o Renan, já no primeiro contato, foi o mais receptivo, e a conversa evoluiu para outras idéias”, conta Kurru. “Quando eu vinha lá de Mogi das Cruzes, ou com o meu pai ou de trem [...] e via aquele monte de pichação, arte d’OSGEMEOS, Onesto... Aí eu pensava: ‘Caramba, o que que tá acontecendo aqui?’”, relembra Renan sobre seus primeiros contatos com o graffiti e a pichação.

Durante alguns meses, Kurru e Renan mantiveram sua amizade no campo virtual até que logo surgiu a primeira chance de finalmente se conhecerem e pintarem juntos pela primeira vez. A amizade e o convívio cresceram, mesmo com a distância geográfica que os separava, um em São Bernardo do Campo e o outro em Mogi das Cruzes. Renan teoriza: “Acho que o que rolou foi que a gente cresceu em lugares diferentes, mas com influências próximas e questões próximas, e juntou com o desenho, então quando a gente se encontrou meio que estávamos preparados pra poder trabalhar outras paradas”.

Quando Kurru começou a trabalhar na criação de uma marca de streetwear e, na seqüência, Renan passou a ser seu colega de trabalho, a relação dos dois se intensificou ainda mais e o convívio passou a ser diário. Renan conta um pouco sobre a época: “Foi aí que a gente se juntou mesmo. Nessa época trabalhava lá eu, o Cabelo, o Kurru e o Doze. A gente fazia uns fanzines, ficava um puxando o outro para fazer trabalhos juntos, desenhar mais, conversar um pouco mais sobre desenho”.

Curioso que o elo principal entre os dois se dê na forma como pensam e sentem o desenho, conferindo a ele uma dimensão espiritual, em que colocar o lápis ou pincel no papel se torna um ritual sagrado, de encantamento. “Estou em um momento de tentar organizar minha produção, de decidir se eu quero direcioná-la para uma estética mais fechada, que seja uma coisa que eu vá carregar, ou se é o caso de abrir, criar sistemas pelos quais eu possa falar algumas coisas, pelos quais possa, mais do que falar, receber o desenho. Essa é uma coisa de que a gente conversa bastante, esse ‘poder’ que o desenho tem, quando você o respeita e vai o levando de maneira constante na sua vida. Muitas vezes ele te surpreende nesse sentido, ele apresenta pra você algumas coisas. Dificilmente a gente faz um desenho em um dia. É um negócio que você começa, dá uma parada, porque tem a coisa estética, você quer que aquilo faça parte de você, que você goste daquilo. Nesse processo, na maioria dos casos, eu fico uma semana angustiado, porque na hora em que volto pro desenho já é uma outra situação. É um negócio louco, mas acontece muito”, diz Kurru. Renan complementa: “São aquelas coisas que não podem ser ditas, né? São manifestações que falam como se fossem uma coisa que não é sua, o desenho cria vida e fala: ‘Olha, toma cuidado com essa situação’ ou ‘Presta atenção nisso’”. Ambos, nas palavras de Kurru, tem “vontade de enxergar o desenho como um negócio maior, conseguir enxergar o desenho com essa riqueza de vida que ele tem”.

O Desenho e Sua Expressão Plena

Uma característica forte no trabalho deles é a pesquisa e o estudo. Kurru fez faculdade de design e Renan estudou design publicitário. Ambos estudaram gravura e há mais de dois anos freqüentam as aulas de desenho do artista plástico Rubens Matuck, um personagem importante para entender a evolução de ambos. “Ele concretizou a nossa visão. Eu estudo já faz uns três anos com ele, que é pintor, artista, estudioso, cabeçudão, cientista das artes visuais. Ele leva a questão do desenho muito forte na vida dele. Então lá a gente aprendeu muito a valorizar isso também, o desenho. A gente vai tentando ver no desenho uma freqüência de vida, de encontrar pessoas, valorizar as coisas que o desenho aproxima. Eu tenho muita vontade de que o desenho se socialize. Não ter esse poder tão grande de obra de arte, do tipo ‘isso não pode ser tocado’. Não: que seja uma parada que eu aprenda com uma criança”, define Renan.

Kurru se entusiasma e fala sobre a forma como o mestre de ambos enxerga o desenho. “Ele usa o termo ‘expressão plena’. De usar o desenho completamente, uma aversão absoluta ao esquema de mercado de arte, desse esquema de pensamento de arte com marchand embutido, que é o lance que vem da Europa etc. Ele é a favor do desenho em sua essência, e não preso à estética, nem ao que se vai desenhar. Para ele, a única maneira de você conseguir a expressão plena é com o desenho de observação, que é ter essa percepção, entender o espaço. Esses nossos desenhos que vocês conhecem... ele quase não conhece nenhum. A gente mostrou para ele pouquíssimas vezes. E a gente não leva mais como uma forma de respeito mesmo.” Estranhamos essa idéia, o que faz com que Kurru nos explique que “esse tipo de desenho nosso é um negócio muito curto, não chega nele. Muito diferente de eu levar algo desenhado agora, feito rapidamente. Ele vai ver e vai falar que tem um diálogo entre espaço, entre pensamento. Uma coisa que a aula tem me ajudado muito é entender o trabalho de arte. Por exemplo, um desenho, uma pintura. Ele passa muito essa coisa de às vezes a gente ficar preso ao tema. Percebo isso hoje em dia quando vou a uma exposição, independente do tema ou da estética do trabalho, tenho interesse na composição, na cor, é uma coisa que me aproxima, que cria diálogo, e é o que busco no meu trabalho. Não ficar só preso ao tema, não ficar só preso a uma forma estética. Enxergar a arte como um todo e conseguir dialogar em cima disso”.

A juventude de ambos reflete no permanente questionamento e na experimentação evidente em suas obras. Por enquanto, ainda encaram a arte como uma estrada cheia de bifurcações, com diversas trilhas a serem seguidas. O espírito contestador faz com que ambos tenham, obviamente, uma posição paradoxal e considerações a fazer a respeito do mercado de arte. Kurru acredita que se pautar pelo mercado “leva à estagnação, porque o próprio mercado, como todos os outros mercados, tem um tempo de vida útil, ele usa você e o descarta. Se você não tiver uma produção firme, se o seu trabalho não for forte dentro de você e você deixar que o mercado ou outras pessoas te guiem, daqui a cinco, dez anos, o mercado vai procurar outro artista e o seu trabalho vai pro fosso junto com outros, e você vai ficar vazio. Minha busca é essa: me estruturar e conseguir me manter equilibrado dentro disso. O que ainda é muito difícil”.

Renan, por sua vez, acredita em um estilo de vida ascético, que pode tornar a inevitável relação com o mercado menos dolorosa. “A gente precisa saber do que precisa e viver de forma bem simples. Eu preciso de papel, caneta, alimentação, umas coisas assim. Penso em um dia viver num quarto, só papel, caneta, prancheta e um colchão. Eu trabalhei em um esquema diferente e o que eu vi era isso: se você ganha mil, vai mil. Se você ganha 2 mil, vai 2 mil. Você tem que se estruturar para dizer: ‘Eu tenho que viver com isso’. Tenho estudado permacultura, que é uma filosofia que resgata técnicas de vida sustentável. Então é isso. Acho que você pensar é a primeira das etapas. Você incorpora para depois aplicar. Eu não preciso ganhar muita grana e quero achar formas sustentáveis e simples de fazer um ambiente propício ao desenho. É o próprio modo como você mesmo lida com o seu trabalho. O externo é uma desculpa, você pode reclamar dele ou não. Mas é você que lida com ele. Você é quem fala: ‘Eu quero isso? Eu aceito?’ Não quero apresentar só uma forma física, mas também uma forma de energia, de sentimento. Uma pessoa pode falar: ‘Ah, eu quero dez quadros’. Tudo bem, vamos lidar com isso. Mas prefiro sistemas que sejam mais simples. Eu não quero ver o desenho com uma supervalorização.”

Organizando para desorganizar?

A influência da arte urbana paulistana se dá muito mais pelo meio e pela forma de encarar o trabalho do que pela estética propriamente dita. Artistas como Stephan, Onesto, Herbert Baglione e OSGEMEOS são citados como pessoas que exerceram algum tipo de influência sobre ambos. Na gramática visual de ambos podemos identificar possíveis relações com vanguardas artísticas do século XX, como o dadaísmo ou o Fluxus, dado o gosto pela assemblage, colagem e publicações. No fim de 2007, eles criaram a editora Ôrganiza (com acento mesmo), interessada no processo de experimentação e intersecção entre o design gráfico e a ilustração, em que a forma é um elemento dinâmico no processo de composição. Cada livro ou revista tem tiragem mínima de duas edições, com exceção dos “Livros dos Livros Objetos”, que são únicos. Em novembro do mesmo ano, realizaram exposição na Sala Cega, da loja Trezeta Musik, em São Paulo.

Kurru conta que o interesse por publicações começou quando trabalharam juntos em 2005 e realizavam experimentos com a máquina de xérox do trabalho. Passaram-se dois anos até que Marcelo Fusco, proprietário da Trezeta Musik, convidasse ambos para uma exposição em sua loja. “Naquela época estávamos com questionamentos sobre exposições, não curtíamos o que estávamos vendo. Era uma forma de dizer para a gente mesmo o que queríamos. O Fusco nos convidou, mas achamos que não era hora para exposição. Ficamos semanas batendo a cabeça. Um dia lá em casa rolou o papo: ‘Mano, que você acha de fazer uma editora?’”. E havia um interesse prévio de ambos pelo objeto livro – a família de Renan inclusive teve uma gráfica: “Eu sempre curti muito livro. Tem a questão artesanal de se fazer o livro, a coisa do registro”. Kurru, que havia feito um livro de artista como trabalho de conclusão na faculdade, explica que a editora era também “uma forma de desenhar de maneira mais livre, falar mais coisas. A nossa vontade era que a editora por si só fosse convidativa. Que as pessoas vissem que era um negócio amigável, que tivesse como uma das coisas principais essa coisa de deixar aberto para as pessoas”.

A exposição era mais do que um espaço expositivo – era uma extensão da vida. “A gente ficou lá dois meses, fizemos uma zona. Levamos prensa, guilhotina, papel, computador – era um espaço vivo. A exposição começou antes e rola até hoje em dia, ela tá viva”, filosofa Renan. E o nome peculiar, de onde surgiu? Kurru explica que “o nome veio de duas coisas: de organizar os desenhos e de organizar também as idéias que a gente tinha. De não fazer uma exposição. Pelo contrário: fazer uns caderninhos cheios de desenho, desglamorizar um pouco, e o acento a gente colocou como forma de dizer que a Ôrganiza não organiza no sentido de ordem, mas no de criar um instrumento que desse “órgão” para coisas que estavam mortas, desde material até idéias, desenhos. Havia desenhos nossos que estavam parados, eram originais, mas em folhas de sulfite, coisas que a gente nem queria comercializar, nem nada disso, mas que diziam alguma coisa.”

“Um bom desenho é uma boa briga”

O próximo passo de Renan Cruz e Bruno Kurru é uma exposição a se realizar entre fevereiro e março de 2009, em uma nova galeria na cidade de São Paulo. Ao que tudo indica, a exposição dará sentido e razão de ser para a produção de ambos – ontem, hoje e amanhã.

Kurru explica que pensa em criar uma estrutura visual com a qual consiga expressar pensamentos e desejos. “Um trabalho que pode ser uma coisa aparentemente abstrata, com elementos soltos. Não quero ter uma marca, não quero que alguém fale: ‘Ah, aquilo ali foi o que o Kurru fez’. E eu já tava meio que negando isso. Por outro lado, vamos supor que eu ficasse desenhando o céu até morrer. Se eu levasse isso a sério, podia ser um trabalho cabuloso, porque tem uma poética muito forte nesse sentido da liberdade, do movimento, de uma coisa que nunca é igual e que é uma força por si só. O momento dessa exposição é isso: o início de tentar expandir para uma coisa mais ampla, uma coisa que não seja fechada, pode até ser um trabalho feio para os outros. Mas eu não me preocupo com isso.”

Faz parte da visão de Renan de crer em uma interação total entre artista e desenho e ver seu ofício como “uma desculpa para viver a vida, para conhecer pessoas, assim como pintar na rua é uma desculpa para andar por aí”. Renan acredita em um período de inflexão e crescimento: “Durante muito tempo, rolou um fluxo grande de produção, sem uma certa consciência, e hoje em dia sinto que tenho um pouco mais de controle. Essa exposição tem a ver com a minha vida, como eu estou mudando. Hoje em dia, o que importa para mim é como me apresentar, como me valorizar como artista. Aquele lance do Homem-Aranha, de que ‘grandes poderes trazem grandes responsabilidades’. Penso no Aldemir Martins – ele foi premiado na Bienal de Veneza. É meio isso, uma meta: ser o campeão mundial de desenho (risos). Posso conseguir isso e ver que tudo não passou de uma cenoura na frente do coelho, só para fazer ele correr. Posso descobrir ao me tornar campeão mundial que vencer é desenhar todo dia a minha filha. É isso: eu quero ser campeão mundial de desenho. Um bom desenho é uma boa briga”.

Kurru acredita que, pelo desenho, é possível encontrar problemas a serem resolvidos por toda uma vida e isso o estimula a produzir. “Esse turbilhão que percebo hoje em dia é valioso. Eu tento ficar tranqüilo dentro dele, sentir o que tá acontecendo. Por isso eu acho que a gente não está muito apegado à estética, porque acaba limitando esse tipo de vivência, que é o que mais interessa para nós.”

Serviço:

Chaves e Portas – Exposição de Bruno Kurru e Renan Cruz
De 26 de Maio a 11 de Julho de 2009
Abertura 26 de Maio das 19 às 23h
Pocket-show com Projeto Nave
Apoio Cultural: Pintar!

Espaço +Soma
Rua Fidalga, 98 – Vila Madalena – São Paulo – SP
De terça a quinta-feira das 12 às 20h, sexta e sábado das 12 às 22hs
Informações: 11 3034-0515
www.maissoma.com

Jim Houser

2009-03-13T13:38:00Z

O código Jim Houser . por Tiago Moraes
(Entrevista publicada na Revista +Soma#10)

O ano é 2100 d.C. PhDs de diversas áreas da ciência e historiadores juntam todas as forças e conhecimentos para tentar decifrar um dos últimos códigos do século XXI ainda não quebrado, nem pelas mentes mais brilhantes, nem pelos softwares mais avançados da tecnologia moderna.

Voltamos para o presente. Essa Babel moderna foi despretensiosamente criada por Jim Houser, um jovem artista norte-americano oriundo do universo do skate e que começa a despontar e cair nas graças da crítica e público. Sua obra, autobiográfica e baseada em associações livres de palavras, pictogramas, desenhos, texturas e cores, pode até enganar os mais desavisados pela aparente ingenuidade dos traços, mas é exatamente aí que se esconde um dos maiores segredos de Jim.

Conheça um pouco mais do que passa na cabeça desse brilhante artista autodidata – que veio recentemente a São Paulo expor seu trabalho na Galeria Choque Cultural – em um bate-papo que tivemos com ele em um café na Vila Madalena.

Você não tem educação artística formal, mas frequentava os prédios da RISD (Rhode Island School of Design) em Providence, Rhode Island. Você tinha amigos que estudavam lá, certo?
Eu estava estudando na Universidade da Pensilvânia havia um ano, mas não estava gostando, decidi abandonar o curso. Estava morando na Filadélfia, superinfeliz, sem saber o que fazer da vida. Um dos meus melhores amigos tinha acabado de se mudar para Providence para estudar na Escola de Design de Rhode Island (RISD) e então eu decidi me mudar para lá. Eu precisava de uma grande mudança em minha vida.
Tinha alguns amigos que estudavam lá e era bem tranquilo, você podia andar por todos os andares do prédio, frequentar as oficinas e ninguém te pedia nenhuma identificação, podíamos usar os computadores para fazer trabalhos de design, os equipamentos de impressão etc.

Se você tivesse estudado e se graduado em artes, o seu trabalho seria diferente do que é hoje?
Acho que sim. Diversas pessoas graduadas em arte que conheço também já me disseram isso. Me lembro do começo, de quando comecei a expor em galerias e entrar nesse universo de arte mesmo, e na época ainda não era muito comum pessoas que trabalhavam como eu. Ouvi muito isso de artistas e galeristas que olhavam meu trabalho e diziam: “Uau, se você tivesse estudado arte você não estaria fazendo isso, eles [os professores] teriam tirado isso de você!” Eu não sou dos caras mais fáceis para aceitar conselhos, prefiro aprender com meus próprios erros, e foi por esse motivo que larguei a faculdade no primeiro ano – não me sentia confortável quando me diziam o que fazer e como fazer. Em relação a minha arte, eu sentia que era uma coisa minha, que me pertencia e cabia só a mim decidir como que ela deveria ser, não queria ter pessoas me dizendo: “Você tem que fazer isso ou aquilo”.

O Shepard Fairey estudou lá na mesma época e você chegou a trabalhar com ele no começo do projeto Obey, certo? Vocês já se conheciam?
Eu já conhecia o Shepard enquanto ainda morava na Filadélfia. Andava de skate e ele tinha começado uma marca de skate pequena (Giant) e me dava alguns shapes, eu tinha um apoio. Quando me mudei para Providence, a gente já se conhecia e ele tinha montado um estúdio e me deu emprego. Meus amigos da Filadélfia, Ben (Woodward) e o Andrew Jeffrey Wright, que também são artistas, trabalhavam lá com o Shepard. Era basicamente um estúdio de serigrafia e eu ficava cortando adesivos, milhões de adesivos do Andre the Giant...(risos). Às vezes também ficava dobrando e empacotando camisetas, eu era o faz-de-tudo lá, limpava as telas, varria... Mas era divertido, trabalhava com os meus amigos e tive a oportunidade de conhecer muita gente bacana, muitos outros artistas por meio do Shepard.

Quando estava começando, quais artistas você admirava? O que e quem te inspirou e motivou em sua carreira artística?
Eu diria que os primeiros grandes artistas que me chamaram atenção foram Jean Michel Basquiat, Cy Twombly, David Hockney e Alice Neil. Foi nessa época que comecei a comprar livros de arte, se via alguma obra que me chamava a atenção eu ia até a livraria e tentava encontrar livros do artista para aprender mais, isso antes da popularização da internet... E muitas pessoas que eu conheci por meio do Shepard, da cena de Nova York, da Alleged Gallery... Você tem familiaridade com essa cena toda?

Sim, claro, inclusive já entrevistamos o Aaron Rose.
O Shepard era amigo do Aaron e eles fizeram um pequeno projeto de pôsteres chamado “Subliminal” muito tempo atrás. Pelo Shepard eu conheci o Aaron, Phil Frost, Thomas Campbell, Barry McGee, Margaret Kilgallen, Christian Hampton, Ed Templeton, muitos artistas...

Isso foi no final dos anos 90?
É, foi a partir de 1997... Em 2000 eu participei de uma exposição coletiva chamada “East Meets West”, da qual participaram três artistas locais da Filadéfia: o Joy Feasley, a Clare Rojas e eu, junto com três artistas de San Francisco, o Scott Hewicker, a Margaret Kilgallen e o Chris Johanson. O Chris até hoje é o meu artista preferido, em quem mais me espelho e me inspiro, como artista e como pessoa. Logo que me mudei para Providence, em Rhode Island, eu andava pra cima e pra baixo desenhando em um caderninho e sempre guardava só para mim – às vezes mostrava para um ou outro amigo, mas nunca tinha conhecido ninguém que levava a arte a sério, que fazia exposições. Mas daí as coisas foram evoluindo e comecei a pensar: “Porque não? Talvez tenha alguém interessado em ver tudo isso”. No começo minha motivação não foi dinheiro, foi muito mais para ver se eu era capaz, descobrir o que outras pessoas pensariam sobre o que estava fazendo. Por exemplo, hoje eu também estou fazendo músicas e as pessoas me perguntam: “Mas você toca em alguma banda, faz show?”, e digo que não. Gosto de tocar na minha casa, meus amigos aparecem e de vez em quando fazemos música, mas eu não saio para tocar, fazer shows, essas coisas.

Que tipo de música você toca?
Eu toco rock instrumental. Não faço shows, mas em minhas últimas exposições tenho feito instalações enormes com vários amplificadores de guitarra conectados por cabos, e eles ficam tocando as músicas que eu componho e gravo em casa.

Quando você começa a produzir para uma exposição, se o espaço permitir, você já incorpora no processo criativo a questão da música?
A composição das músicas faz parte da exposição, porque elas são feitas na mesma época em que as pinturas. Se eu acordo um dia e não estou a fim de pintar, faço música e fico gravando, gravando e, quando a exposição chega, pego todas as pinturas, as músicas e monto a exposição.

Você pretende lançar um disco com essas músicas um dia?
Eu tenho um disco pronto para ser prensado, que deve sair em breve. Serão seis músicas. Venho trabalhando nisso há quase dois anos, então espero que consiga lançar em breve. Tem um selo local aqui na Filadélfia, chamado Free News Projects, que está interessado em lançar, eles lançam livros, discos e pôsteres com tiragem limitada. Eles lançam bastante coisa, acabaram de publicar um livro do Matt Leines que é muito bacana, vale a pena ir atrás e conhecer o trabalho dele.

A arte folk tradicional norte-americana faz parte de suas influências ou você foi mais influenciado por artistas contemporâneos que já bebiam nessa fonte, como a Margaret e o Barry por exemplo?
Acho que na verdade ao conhecer eles (Margaret Kilgallen e Barry McGee), tive a confirmação de ideias que tinha na minha cabeça sobre arte e sobre como vejo tudo isso. É meio difícil para eu explicar, mas gosto de ver a pessoa que fez uma arte dentro da própria arte, não deveria haver separações. O estilo de arte folk, mais bagunçada, imperfeita, nos dá uma sensação direta de que a pessoa fez aquilo à mão ao invés de uma máquina ou um computador, como a diferença de valor artístico entre um enorme painel de plástico ou banner e uma placa de madeira pintada à mão. Acho que a principal lição que tirei dos artistas folk foi ver que a ideia é a coisa mais importante e não é preciso ficar tentando fazer com que tudo saia perfeito.

Você cresceu andando de skate e existem muitos outros skatistas que também se tornaram artistas, como o Mark Gonzales, Thomas Campbell, Ed Templeton, Don Pendleton, Michael Leon, entre muitos outros. Não seria bacana se no futuro a história da arte considerasse “Skatismo” como um forte movimento artístico da virada do século XX para XXI, assim como hoje existem o Cubismo, o Modernismo e a Pop Art? Não é louco pensar que existem tantos artistas bem sucedidos hoje, em sua maioria autodidatas, que vieram do universo do skate?
Eu acho que todos nós temos em comum duas coisas. A primeira são os desenhos dos shapes e as artes das revistas de skate, que marcaram muito, você é exposto à arte muito cedo e carrega aquelas lembranças por toda sua vida. Outra coisa é o lado criativo do skate, então é natural que skatistas também façam música, pintem e escrevam poesias, já que você começa a andar de skate porque tem essa veia criativa. O skate é apenas uma das formas de expressão, de colocar para fora a sua criatividade. Na verdade, sempre fico chocado quando conheço skatistas que não fazem mais nenhuma arte, que simplesmente andam de skate, porque a grande maioria dos skatistas que eu conheço tem mais de uma atividade criativa.

Como foi para você, que cresceu andando de skate, passar para o outro lado e começar a fazer artes para skate para marcas como a Toy Machine e influenciar os garotos mais novos?
É muito bacana. Isso sem dúvida foi uma das coisas mais importantes que fiz porque, como você falou, foi um ciclo que se completou. A primeira vez que encontrei com um garoto usando um shape com uma arte minha foi uma das emoções mais incríveis que já senti em toda a minha vida, porque eu sei como é quando você é um garoto e entra numa loja de skate e olha para aquela parede repleta de shapes com os mais variados desenhos e marcas. Para aquele garoto ter escolhido o meu é porque ele achou que era o melhor de todos! Eu faria esse trabalho até de graça! O skate é de onde eu venho, então é muito legal poder fazer projetos com marcas de skate. Até hoje continuo colaborando com a Toy Machine, além de ser superamigo do Ed Templeton, um cara muito bacana, superdivertido e que, por também ser artista, me dá toda a liberdade para eu fazer o que bem entender.

Passar do desenho para a pintura é geralmente um grande passo para a maioria dos artistas. Como foi essa transição para você?
Aconteceu bem devagar, porque eu estava fazendo meus desenhos e com o tempo comecei a colocar mais cores e, quando vi, estava pintando e desenhando em cima das pinturas. Depois comecei a deixar o desenho um pouco de lado no meu trabalho – não foi uma grande ruptura, e sim uma evolução natural.

E você saltou das paredes para praticamente tudo. Em suas últimas exposições, você tem investido em instalações com prateleiras, vasos de flores, amplificadores, bolas de basquete, violões feitos à mão...
No começo foi meio que uma brincadeira, porque parei de pintar shapes por um tempo, e as pessoas iam às minhas exposições, ficavam tristes e reclamavam que eu não tinha pintado nenhum shape. Elas falavam: “Você é um skatista, então pinte em skates!” Começar a pintar outros objetos foi a forma que encontrei de dizer que existem outros lados do Jim Houser além do skatista. Por exemplo, eu jogo basquete e pintei uma bola de basquete, eu gosto de um modelo de tênis, então vou pintá-lo. O que começou como brincadeira foi crescendo dentro de mim e comecei a me interessar por construir coisas, como pequenos violões feitos com caixas de charuto, inspirados naqueles feitos por músicos de blues pobres, que não tinham dinheiro para comprar um violão. Eu tinha acabado de ler um livro sobre a história dos instrumentos de corda, havia um capítulo que falava só disso e pensei: “Será que sou capaz de fazer um?” Acabei me divertindo muito fazendo o primeiro e depois acabei fazendo outros e incorporando à minha arte, eles (os objetos) ajudam a construir esse meu universo que desejo compartilhar em minhas exposições.

Alguns de seus trabalhos apresentam uma mistura rica de elementos: palavras, frases, personagens e texturas. Eles se parecem com uma colcha de retalhos de imagens e pensamentos. Você pensa no conceito, no que quer transmitir em cada peça como se estivesse tentando juntar todas essas peças para comunicar algo?
Tanto esses meus trabalhos que se parecem mais com mosaicos ou colagens de peças menores como as telas em que trabalho com um tema central fazem parte, na verdade, de um mesmo conceito. O que eu quero, no fim, é que as pessoas olhem para uma exposição minha e percebam que tudo ali está interligado. Todas as minhas pinturas são fragmentos da história da minha vida. É por isso que eu trabalho com a mesma paleta de cores em todos os trabalhos, e algumas imagens e palavras acabam aparecendo em mais de um trabalho...

Ia falar sobre isso, pois muitos de seus trabalhos e instalações apresentam imagens e palavras que se repetem. O que sinto ao ver seu trabalho é que você parece ter criado uma enorme família de pictogramas, como o polvo, o elefante, o chapéu e também palavras como “egg”, “rumor”, “eyes”, “system go”, o número 68, entre outros que aparecem com certa frequência em seus trabalhos. Cada um desses pictogramas tem um significado para você?
Múltiplos significados. Assim como o azul parece diferente ao lado do verde do que ao lado do vermelho, as palavras que eu uso têm significados diferente dependendo da imagem ao lado, de como elas estão relacionadas. Então essas imagens e palavras têm mais de um significado... Uma coisa que vim a descobrir recentemente, mas não tenho certeza se me influenciou, foi o fato de a minha irmã mais velha ser uma egiptologista e estudar hieróglifos. Quando eu era moleque, tinha sempre um monte de livros por perto sobre o assunto, cheios de imagens e palavras misturadas, e sempre curti muito essas coisas e acho que acabei trazendo um pouco disso para o meu trabalho.

Provavelmente, no futuro teremos egiptologistas estudando o seu trabalho e decifrando esses códigos todos... (risos).
(Risos) É, seria bem legal... Algumas palavras eu paro de usar um tempo e, quando elas voltam, já têm outro significado para mim... O nome do meu livro, Babel, é sobre a dificuldade em se comunicar, da história da Bíblia, da diversidade de línguas e culturas. Não sou religioso, mas essa é uma história superinteressante. Muito da minha arte é sobre essa dificuldade das pessoas se comunicarem, quais os diferentes significados por trás de uma palavra. No meu trabalho, as palavras são tão ou até mais importantes do que as imagens.

Eu tive a oportunidade de ver na Choque Cultural alguns dos seus trabalhos ao vivo pela primeira vez e fiquei impressionado, especialmente com as telas que têm todas aquelas colagens, principalmente pelo tamanho de cada pequeno pedaço que compõe essas telas e o acabamento impecavelmente refinado.
Cada fragmento dessas telas são pequenos pedaços de papel, superfinos, quase como papel de cigarro. Eu pinto cada um desses pequenos quadrados individualmente até conseguir juntar uma boa quantidade deles, depois pego uma tela e começo a colar cada um – no começo de forma meio aleatória, mas depois começo a me ater mais na mensagem, na composição de cores. Acabou virando meio que um quebra-cabeça para mim. Eu vou colocando para fora tudo o que vem à mente, fico no meu estúdio, ouvindo música e desenhando o dia todo.

E como a tipografia entrou em seu trabalho? Você costuma inserir vários tipos de letra no seu trabalho, alguns nos remetem diretamente à cultura de placas pintadas à mão, cursivas, manuscritas, e outros já são mais contemporâneos, como o feito de ossos...
Eu comecei com isso meio que para dar mais personalidade no que estava escrevendo e querendo dizer. De certa forma, o tipo de letra que desenho está relacionado diretamente com o que eu quero dizer. Por exemplo, quando escrevo com letras pequenas, arredondadas e simples, similares à minha caligrafia pessoal, trato de coisas autobiográficas ou que fazem parte daquele momento. Quando escrevo com letras mais quadradas, que lembram fontes de computador, trato de coisas que já analisei e pensei muito sobre. E, finalmente, o que escrevo com ossos são coisas mais vinculadas ao emocional, geralmente mais sérias e mortais, não no sentido de morte, mas assuntos sérios como a morte. A forma como escrevo cada palavra faz parte do que está sendo dito.

Para finalizar, algumas perguntas sobre sua visita ao Brasil. É sua primeira vez aqui, certo? Como tem sido a experiência?
Sim, é a primeira vez. Tem sido ótimo! Gostaria muito de ter mais tempo, eu estou exausto, realmente cansado e tem tanta coisa para visitar que eu estou me sentindo sobrecarregado. Gostaria mesmo de poder ficar mais tempo aqui, mas definitivamente quero voltar logo e passar um tempo maior, pois sinto que vi tão pouco e São Paulo é o tipo de cidade de que gosto, caótica e enorme. Alguns lugares me lembram San Francisco, outras Sidney (Austrália), às vezes Nova York...

E o quanto você conhece sobre a cena de arte brasileira, você conheceu alguns artistas locais?
Sim, eu conheci muitos por meio da Gale-ria (Choque Cultural) e do Jonathan (LeVine), e gostei muito da energia deles. Sinto que os artistas daqui estão realmente correndo atrás, de uma forma positiva, e me lembram de uma época na Filadélfia quando a cena de pôsteres, de sair para colar coisas na rua, estava muito forte e em todo lugar que você ia havia algo bacana e original. Aqui, todo lugar que você olha na rua tem algo muito legal e isso é realmente inspirador!

Saiba Mais:
www.jonathanlevinegallery.com
www.choquecultural.com.br

Bruno Kurru

2009-01-08T13:47:00Z

Titi Freak

2008-11-25T11:36:00Z

O artista paulistano de 34 anos é um dos destaques da oitava edição da revista +Soma. Aqui, você pode conferir um pouquinho do trabalho do artista que vem ganhando as galerias de todo o planeta.

Tim Festival 2008 Por Fernando Martins

2008-10-31T18:32:00Z

Fernando Martins é fotógrafo e skatista carioca. Faz algumas edições da revista +Soma que vem fotografando para nós. Ele acompanhou a cobertura do tim Festival junto conosco e clicou alguns bons momentos de um festival com poucas grande estrelas e pouco público. Você pode ver seu trabalho aqui.

Maya Hayuk

2008-09-13T02:49:00Z

Confira mais algumas artes da multi artista norte-americana de origem Ucraniana Maya Hayuk, que mostrou o seu trabalho na nova edição impressa da Revista +Soma (007). Ainda no site você também pode ler a entrevista na íntegra, sem cortes, clicando aqui. Se você ainda não garantiu o seu exemplar impresso com a matéria com a Maya, corra em algum dos pontos de distribuição ou baixe agora a revista em PDF na seção Somacast do site.

©Todas as imagens são de propriedade de Maya Hayuk e não podem ser usadas ou reproduzidas sem permissão.

Nelson Leirner

2008-07-02T16:19:00Z

Confira mais trabalhos de um dos mais importantes e influentes artistas brasileiros dos últimos cinquenta anos - Nelson Leirner. Sua obra, se não está exposta, já passou por todos os grandes museus e galerias em nosso país, aos seus 76 anos prestamos nossa homenagem nas páginas da +Soma #6 e mais uma palinha do seu trabalho aqui. Confiram!

Don Pendleton

2008-05-07T07:25:00Z

Confira mais trabalhos de um dos artistas mais influentes e respeitados do cenário de skate mundial, entrevistado na quinta edição da Revista +Soma.

Shepard Fairey

2008-03-06T08:24:00Z

Confira aqui uma exposição virtual com artes recentes do Shepard Fairey, nosso entrevistado e capa da Revista +Soma #4. Se você já está com a revista na mão e leu a entrevista, aproveite para conhecer um pouco mais o trabalho desse artista que é um dos nomes mais importantes, senão o mais importante da cena de arte urbana mundial.

E se ainda não garantiu o seu exemplar, corra por que essa edição é histórica!