+SOMA - Home

R.E.M. acabou, informa site oficial

2011-09-21T17:04:00Z

Por meio de nota divulgada no começo da tarde no site oficial da banda, os membros do R.E.M. informaram que o grupo está se separando. “Paramos com um grande senso de gratidão, de finalidade e de espanto por tudo que alcançamos”, diz o comunicado. “A todos que foram atingidos pela nossa música, nossos agradecimentos mais profundos.”

<object height="397" width="541"><param></param><param></param><param></param><embed src="http://www.youtube.com/v/KA57Pafq_NU?version=3&hl=pt_BR" height="397" width="541"></embed></object>

Com 15 discos de estúdio, o R.E.M. foi uma das bandas de rock mais importantes e influentes das últimas três décadas, tendo exercido papel fundamental na popularização do punk e do indie rock estadunidense dos anos 1980. Considerados por muitos a “college band” por definição, eles foram uma das primeiras bandas egressas da cena punk dos EUA a conquistar sucesso de massa, ajudando no caminho bandas seminais como Minutemen e Hüsker Dü.

Em janeiro de 2011, a edição 21 da Soma publicou uma entrevista exclusiva com Michael Stipe. Leia a matéria aqui ou a revista completa em PDF aqui.

Festa de lançamento da Soma #25 e do novo Portal Soma

2011-09-19T22:22:00Z

Sexta-feira a celebração é em dobro no Espaço Soma. Convidamos você para o lançamento da nossa edição 25, que inaugura nosso novo projeto gráfico, e também para a estreia de nosso novo portal. Isso mesmo, pode ir se despedindo desse espaço aqui que nos deu tanta alegria, logo logo vai ser tudo novo – novo design, novas seções, entrevistas exclusivas, matérias de fôlego, agenda sempre atualizada e uma seção reviews mais ágil.

E, como todo mundo tá olhando, a primeira Soma dessa nova era não podia dar brecha. Por isso, trouxemos algumas das melhores matérias dessas 25 edições. O pintor francês Remed, um dos maiorais da mostra “De Dentro e de Fora”, no MASP, deu uma entrevista extensa, pautada por um tipo de autoconhecimento cada vez mais raro. Page Hamilton, o homem-Helmet, entrou no confessionário com o guitarrista Bernardo Pacheco e abriu o coração: falou tudo que você queria saber sobre o fim da banda e mais um pouco. Também com um senso imenso de honestidade e olhar interior, o Lenine jogou Luiz Gonzaga e Led Zeppelin no mesmo balaio para contar os principais momentos da carreira independente mais bem sucedida da MPB. Também tem Superchunk, Lucas Simões, Jeremy Fish, o discaço do Casa di Caboclo, uma seção nova dedicada à fotografia, a volta do Mini e um ensaio histórico do Fernando Martins Ferreira sobre o Carnaval de Barbados.

E havia rumores de que a gente estava na pior...

Lançamento da Soma #25 + novo Portal Soma . Discotecagem Staff Soma + Convidados
Quando . sexta-feira (23), a partir das 19h
Onde . Espaço Soma . Rua Fidalga, 98 . Vila Madalena . São Paulo . SP
Quanto . só colar

Festival No Ar Coquetel Molotv traz The Fall e The Sea and Cake no Recife

2011-09-19T18:24:00Z

O Festival No Ar Coquetel Molotov anunciou nesta segunda-feira (19) a sua programação oficial. A escalação do evento, que acontece em outubro no Recife (com uma edição extra em Salvador) traz o pós-punk dos britânicos do The Fall, o pós-rock do The Sea and Cake e o hip-hop de Beans – cofundador do grupo Anti-Pop Consortium –, que se juntam aos já anunciados Health (EUA), Gillemots (GB) e Hindi Zahra (França).

A lista de artistas nacionais inclui Racionais MCs, Nuda, Rua, Trio Eterno, Maquinado, China, Romulo Fróes, R. Brandão + M. Takara e King Size. O Festival também conta com a mostra de cinema Play the Movie (que vai exibir títulos como Nas Paredes da Pedra Encantada e As Batidas do Samba) e uma série de oficinas.

Confira a programação completa no site do festival: coquetelmolotov.com.br

Festival Coquetel Molotov, com The Fall, Beans, Racionais MCs, Nuda, The Sea and Cake e mais
Quando . 14 e 15 de outubro
Onde . Sala Cine UFPE e Teatro da UFPE . Universidade Federal de Pernambuco . Recife . PE
Quanto . R$ 20 (primeiro lote)
Informações . coquetelmolotov.com.br

Pela primeira vez no Brasil, Faust faz duas apresentações gratuitas em SP

2011-09-16T13:57:00Z

Os pioneiros do krautrock do Faust fazem dois shows de graça neste fim de semana na capital paulista, no Centro Cultural São Paulo.

A nova encarnação do grupo germânico é liderada por Jean-Hervé Perón e Warner “Zappi” Diermaier, membros da formação original que, na década de 70, ajudou a dar forma à música underground da Alemanha Ocidental com seu som experimental, utilizando colagens e “instrumentos” não-convencionais, influenciando inúmeras gerações posteriores, do pós-punk britânico ao noise dos anos 00.

<object height="397" width="541"><param></param><param></param><param></param><embed src="http://www.youtube.com/v/GRxvQmTTz5I?version=3&hl=pt_BR" height="397" width="541"></embed></object>

É a primeira vez do Faust no país, que conta ainda com James Johnston e Geraldine Swayne na formação. As entradas para os shows podem ser retiradas na bilheteria do CCSP, que funciona das 10h às 22h.

Faust no CCSP
Quando . sexta (16) e sábado (17), às 19h
Onde . CCSP - Rua Vergueiro, 1000 - São Paulo . SP
Quanto . entrada franca [ingressos devem ser retirados antecipadamente]
Infos . centrocultural.sp.gov.br

Anri Sala é o vencedor do Absolut Art Awards

2011-09-13T18:34:00Z

Pensando em apoiar a criatividade e o espírito de vanguarda de artistas do mundo todo, o Absolut Art Awards 2011 elegeu como destaque o artista contemporâneo Anri Sala, da Albânia. Em seus vídeos, Sala questiona vários elementos da política contemporânea e de nosso relacionamento cotidiano com a arte.

Uma de suas obras, Answer Me, foi um dos principais destaques da Bienal de São Paulo de 2010. Em seus trabalhos, o artista também tenta criar novas interações entre música, vídeo e linguagem falada, trazendo novos parâmetros para a nossa relação com som e imagem. Para ele, é importante que a arte reflita como nosso contexto social traz mudanças inescapáveis para o discurso cotidiano e o uso da sintaxe e de outros elementos de comunicação em cada sociedade. Abaixo você vê um trecho do vídeo da instalação "Le Clash", apresentada na Bienal de São Paulo de 2010.

O Absolut Art Awards premiará Sala em um evento especial que acontece em Estocolmo no dia 16 de setembro. De acordo com o júri da premiação, o artista é extremamente importante para o cenário cultural hoje por "oferecer uma maneira única de enxergar o mundo, unindo reflexão histórica, memória e consciência do agora. Ele possui um talento especial para análises precisas e sutis, além de uma habilidade única para conceber instalações e projetos arquitetônicos que reúnem som, imagem, escultura, vídeo e performance".

Esparrela com Mundo Tigre (M. Takara) nesta sexta no Espaço Soma

2011-08-30T12:16:00Z

Sexta-feira (2) é dia de mais uma edição da Esparrela no Espaço Soma, festa de bons sons comandada por Guilherme Granado, Tiago Nicolas e Marcos Gerez.

O artista convidado da noite é o Mundo Tigre, projeto solo de música eletrônica torta de Maurício Takara (Hurtmold, M. Takara 3...). Dá uma olhada aí embaixo e saca só a profeciência do rapaz:

Esparrela + Mundo Tigre no Espaço Soma
Onde . Rua Fidalga, 98 . Vila Madalena . São Paulo . SP
Quando . sexta-feira (2) a partir das 22h
Quanto . R$15 de entrada ou R$ 30 de consumação
Infos . info@maissoma.com

Exposição 'PIIotos' abre no Espaço Soma nesta quinta-feira

2011-08-29T16:24:00Z

Em setembro, São Paulo e Nova York estarão unidas pela fotografia. Sob a curadoria do jornalista Fernando Costa Netto, idealizador da Mostra SP de Fotografia, vinte e dois fotógrafos emprestaram imagens das Torres Gêmeas, feitas entre 1973 – ano da inauguração da Torre Sul – e 2001, com apenas duas imagens fotografadas depois dos atentados, para a exposição PIIOTOS. Uma homenagem de artistas brasileiros à cidade americana.

Uma década após os atentados ao World Trade Center em NY, o projeto vai reunir em duas exposições fotos de alguns dos mais respeitados fotógrafos do Brasil que viveram, trabalharam ou estiveram de passagem pela cidade. Os textos são assinados pelos jornalistas Costa Netto e Lourival Sant'anna.

Em São Paulo, as paredes do espaço Soma recebem a mostra de 1º a 17 de setembro. Já em Nova York, a exposição acontece de 07 a 17 setembro, na 1500 Gallery, de Alexandre Bueno de Moraes e Andrew S. Klug, especializada em fotografia brasileira.

Entre os fotógrafos convidados estão Bob Wolfenson, Cassio Vasconcellos, Elisabetsky, German Lorca, Ignácio Aronovich, Paulo Vainer, Tuca Reines, Paulo Fridman e Ivan Shupikov, entre outros.

A vernissage de estreia da exposição acontece nesta quinta-feira (1º), a partir das 19h no Espaço Soma.

PIIotos conta com o apoio institucional do Consulado brasileiro em NY e tem como finalidade o intercâmbio cultural entre as duas metrópoles. A realização do projeto PIIotos é da Mostra SP de Fotografia.

Exposição PIIOTOS no Espaço Soma
Quando . quinta-feira (1º), a partir das 19. Após, de segunda a sexta (10h às 18h) e aos sábados (12h às 18h), até o dia 17.
Onde. Espaço Soma . Rua Fidalga, 98 . Vila Madalena . São Paulo . SP
Quanto . só colar
Informações . info@kulturstudio.com

Crédito das imagens: acima, Paulo Vainer. Abaixo, na ordem, Marcelo Pallota, Tuca Reines, Victor Andrade e Lufe Gomes

Assista ao clipe de ‘Subirusdoistiozin’, novo vídeo do Criolo

2011-08-26T00:33:00Z

Fotos por Fernando Martins Ferreira

Se você ainda estava coçando a cabeça querendo saber quem eram os “dois tiozinho” que “subiru” sem botar fé, o Criolo acabou de oferecer uma versão ilustrada para a história de uma das faixas mais legais do disco Nó na Orelha.

“Subirusdoistiotin”, o clipe, foi gravado entre os dias 8 e 9 de agosto – é, ritmo frenético –, conta com a participação do ator Abraham Farc (de filmes como O Cheiro do Ralo e O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias) e de jogadores das categorias de base do Corinthians e foi realizado com o apoio da Nike. O cenário escolhido foi a Vila Maria Zélia, antiga vila de operários localizada entre a Vila Maria e o Brás, em São Paulo.

Segundo o diretor Tom Stringhini, da Cia de Cinema, a produção fez uma seleção com “mais de 70 crianças para escolher o ator que interpreta o pequeno Criolo”. Tom conta que procurou Daniel Ganjaman, produtor do álbum do cantor, assim que ouviu o disco. “Quando estávamos filmando, falei pro Criolo e pro Ganjaman: quero ser pra vocês o que o Spike Jonze é pros Beastie Boys”, brinca.

Assista abaixo o clipe e confira algumas fotos do making of do vídeo.

Ensaio de Fotos . Irreversível

2011-08-25T17:28:00Z

Por Azul Serra

“A situação era muito tensa, porque você até podia entrar, mas não sabia como ia sair.” Repórter cinematográfico free-lancer e diretor de fotografia, o paulistano radicado em Londres Azul Serra partiu no final de fevereiro para a Tunísia, com o objetivo de acompanhar a situação na vizinha Líbia, que passava a protagonizar mais um capítulo das revoltas populares que varreram o mundo árabe em 2011. O que ele encontrou foi uma fronteira cheia de refugiados do conflito entre rebeldes e as tropas do presidente Muammar Kadhafi.

Impedido de entrar na Líbia, Azul acabou voando para a fronteira do país com o Egito, região já controlada pelos rebeldes. Em Benghazi e Ra’s Lanuf, testemunhou a “precariedade das forças militares”, palavras que usou para descrever os que lutavam contra o governo central com pouquíssimos recursos, incluindo armas antiaéreas montadas em picapes. De volta à Europa durante os bombardeios realizados pela Otan contra Kadhafi, o fotógrafo transformou as imagens registradas durante a viagem na exposição “Irreversível”, que já passou pela Inglaterra, República Tcheca e Itália e que deve chegar a São Paulo em agosto. As fotografias mostram os contrastes do conflito, entre os refugiados desesperados para entrar no território “livre” da Tunísia e o orgulho disfarçado dos rebeldes enfrentando o governo de seu próprio país.

Amabis . Memórias Luso-Africanas . Independente . 2011

2011-08-24T13:32:00Z

Dois desafios básicos que todo álbum conceitual deveria considerar: ser capaz de contar a...

Dois desafios básicos que todo álbum conceitual deveria considerar: ser capaz de contar a mesma história até o final e evitar que a narrativa perca a graça. Memórias Luso-Africanas, estreia solo de Gui Amabis, enfrenta ambos, com resultados variáveis. Produtor paulistano em ascensão (compôs para filmes como O Senhor das Armas e co-produziu Céu, por exemplo), Amabis se lançou no projeto por um motivo pessoal: preservar o sentimento trazido por histórias familiares que ouvia na infância.

Mais do que homenagear seus antepassados, no entanto, Amabis quer explorar o conflito eterno entre a cultura imperialista portuguesa e a dos escravos africanos, central não só na origem da cultura brasileira, mas na sua própria genealogia pessoal. A intenção está explícita logo na faixa de abertura, “Dois Inimigos”, única cantada pelo autor. Sobre notas melancólicas de teclado e instrumentação minimalista, ele canta “E pensar em meus pais e meus avós/ Que sou dois inimigos em um só”, revelando um vocal grave surpreendente, bem resolvido, na tradição de Leonard Cohen e Vic Chesnutt.

A partir da segunda faixa, Amabis abre espaço a convidados no vocal, que alternam momentos memoráveis (“Para Mulatu”, com Criolo, e “Imigrantes”, com Tiganá, por exemplo) a outros que soam prosaicos em um projeto com ambições maiores (as duas com Tulipa e “Swell”, com Céu). Seja como for, Memórias é um disco com o que de melhor que Amabis tem a oferecer: produção meticulosa com ecos de fragmentação tropicalista, timbres refinados herdados do rap e do trip-hop, e alma afro-brasileira. Poucos fazem isso tão bem quanto ele.

Por Mateus Potumati

Gang of Four . Entretenimento / Conteúdo

2011-08-22T15:25:00Z

Por Amauri Stamboroski Jr. . Fotos por Fernando Martins Ferreira

Com nome de dissidência maoísta e letras ecoando teoria marxista pós-moderna, o Gang of Four se tornou, de certa forma, uma instituição britânica. Uma das bandas mais influentes do pós-punk, o grupo se apresentou em maio em São Paulo, como atração principal do Cultura Inglesa Festival, no Parque da Independência. Em uma manhã fria de domingo, Andy Gill, guitarrista e fundador do quarteto ao lado do vocalista Jon King, conversou com a Soma sobre reggae, censura na BBC, indústria do entretenimento, amor e revolução.

Que tipo de música vocês estavam ouvindo na época em que o punk apareceu?

Eu e o Jon ouvíamos muito reggae quando éramos adolescentes. E também muito ska, Desmond Dekker, Bob Marley, Toots & Maytals, era algo muito importante pra gente. No meio dos anos 70 o dub apareceu, com um groove mais hipnótico, King Tubby, além de muitos toasters, como o I-Roy. Naquela época, na Grã-Bretanha, as pessoas não ouviam muito reaggae, era música das comunidades de imigrantes das Índias Ocidentais. E tinha essa coisa estranha com os skinheads. Eles eram essencialmente racistas, brancos, de direita, mas amavam essa música produzida na Jamaica. Mas o adolescente padrão, que gostava de rock, não se interessava nem um pouco por reaggae, parecia algo primitivo e pouco sofisticado – nada a ver com Deep Purple. Nós também amávamos o Bob Dylan, e especialmente The Band. O que mais gostávamos na Band eram as narrativas, o senso histórico, o senso geográfico – falavam de algo específico. E também havia o jogo de vozes, uma hora o Richard Manuel estava cantando, depois o Robbie Robertson, o Levon Helm. Isso aparece bastante no Gang of Four – o Jon é um personagem e eu sou outro, às vezes somos simplesmente nós mesmos, falando em voz alta o que estamos pensando.

Nós também ouvíamos Dr. Feelgood. Fomos a um show e foi muito impressionante. Era muito mecânico, preciso, simples. É óbvio que as raízes do Dr. Feelgood eram o blues americano, que serviu de inspiração para muitos músicos na história do rock. Mas eles pareciam ver o blues com outros olhos. Você sabe de onde eles vieram? De Canvey Island, em Essex, uma ilha no estuário do Tâmisa, pra onde era trazido o petróleo usado na Grã-Bretanha. Se você for pra Londres tem que conhecer essa ilha, é uma ilhazinha fodida, as pessoas lá são estranhas. Já viu o documentário sobre o Dr. Feelgood? Chama Oil City Confidential, é um ótimo documentário, tem vários trechos da banda tocando, ótimas entrevistas. O cantor, Lee Brilleux, morreu há alguns anos, de câncer. O Wilko Johnson é um grande guitarrista, muito eficiente, no limiar da loucura. De certa forma era um tipo de pré-punk. Era um rock ‘n’ roll meio bluesy, inspirou muita gente.

E quando o punk apareceu, funcionou como inspiração ou era algo que vocês já esperavam?

Quando os Sex Pistols viraram um fenômeno eu achei ótimo, mas achava que eles não tinham nada a dizer pra mim. Eu nunca vi um show dos Pistols, não me interessava. Eu gostava do jeito como o Johnny Rotten cantava, grunhindo. Mas a coisa mais importante do punk é que ele abriu muitas portas. Você não precisava mais fazer canções pop, podia cantar sobre o que quisesse. Essa ideia foi a coisa mais importante do punk. Mas a música não me interessava, era um heavy metal tocado mais acelerado. O Clash fez algumas coisas interessantes, além de outras bandas, como as Slits e as Raincoats, que eram nossas amigas.

“Nós sentávamos num apartamento jogando xadrez, enquanto eu tocava violão. Inventávamos músicas enquanto jogávamos, bebendo gim – era uma única partida de xadrez, que nunca terminava.”

O que fez vocês começarem uma banda?

Eu e Jon éramos estudantes de arte, e estudantes de arte têm muito tempo livre. Nós sentávamos num apartamento jogando xadrez, enquanto eu tocava violão. Inventávamos músicas enquanto jogávamos, tomando gim – era uma única partida de xadrez, que nunca terminava (risos). As músicas eram só pela diversão, sobre pessoas que a gente conhecia, gravávamos em um gravador de fita cassete que eu tinha. Depois de um tempo começamos a levar mais a sério essas músicas, e em um determinado momento pensamos: “vamos achar um baixista e um baterista e montar uma banda”. Conhecemos um cara, o Hugo [Burnham, primeiro baterista do Gang of Four], que tinha uma bateria e disse que tinha como conseguir uma van emprestada. Nosso primeiro baixista foi um cara chamado Dave Wolfson. O primeiro show foi em maio de 77, em Leeds – a gente gravou esse show. E quando você ouve a gravação percebe que ele estava tocando demais, fazendo solo de baixo o tempo todo. No fim da fita dá pra ouvir as pessoas conversando no público: “E aquele baixista? Ele estava tocando notas demais!” (risos). Acho que ele fez mais um show com a gente, mas não se adaptou. Então a gente fez um anúncio procurando um baixista e encontramos o Dave Allen.

De que forma o Hugo Burnham e o Dave Allen contribuíram com o som que vocês queriam para o Gang of Four?

A gente foi inventando o nosso som enquanto tocava, nunca existiu um plano, um mapa. Eu amo o groove hipnótico do reggae, e sempre quis que a nossa música tivesse groove, um ritmo forte. Mas não queria ficar fumando maconha ou falando coisas nonsense sobre Deus, queria que a nossa música fosse verdadeira e relevante, sobre nós e sobre as nossas vidas. Eu tinha essa empolgação pela guitarra, pelo Dr. Feelgood, mas não queria que a música soasse como rock ‘n’ roll, nem fazer músicas com esses clichês do pop. Foi como criar uma nova linguagem para expressar a maneira como víamos as coisas. Em algumas das primeiras músicas a bateria era mais padronizada, roqueira. Eu tentava falar com o Hugo, para mudar isso. Às vezes a gente brigava, porque ele não queria mudar: “Por que eu tenho que ouvir você? Você cuida das guitarras, e eu da bateria”. E eu falava: “Não, temos que mudar. Se você mudar aquela parte no chimbau eu te pago uma cerveja”. Eu tinha que fazer de tudo. Isso é engraçado. Tem um livro horrível sobre o Gang of Four, que tem uma parte em que o Dave fala que eu criei todas as partes de bateria do Hugo, e em outra parte o Hugo fala que eu criei todas as linhas de baixo do Dave (risos).

Você falou sobre dub, que aparece muito na discografia da banda, mas tem outra coisa que também se destaca, que é essa aproximação com o funk, com a discothéque. Foi um esforço deliberado, desconstruir a disco?

De certa forma, sim. Para muita gente do punk e do pós-punk da época, disco era uma palavra horrível. Se você dissesse que gostava, ou que era legal, as pessoas achavam que você era louco. Uma das minhas bandas favoritas de todos os tempos é o Chic, que tinha grooves fantásticos. Mas o Chic começou depois do Gang of Four. Eu gosto da batida da discot, o 4/4, “tum-tum-tum-tum”. É irresistível. As letras podem ser bem burras, mas de um jeito esperto. Uma das nossas primeiras músicas é “At Home He Is a Tourist”, que tem essa levada disco (bate na mesa fazendo o ritmo), e o baixo tem uma linha meio disco também. A letra também fala de ir a uma discoteca à procura de alguém, com camisinhas no bolso. Isso incomodou a BBC.

Exato, tem essa história de que a BBC censurou “At Home He Is a Tourist”.

O “Top of the Pops” era o maior programa de música da TV britânica, e eles tinham uma série de regras que deveriam ser seguidas, para evitar escândalos envolvendo jabá. Então, se uma banda entrasse no top 20, eles eram obrigados a recebê-la. Eles falaram: “Ok, vocês podem participar, mas não podem usar a palavra ‘rubbers’ (camisinha, em inglês), é obsceno”. Mas hoje o que era obsceno é responsabilidade social, falar sobre camisinhas! (risos) Então regravamos e trocamos “rubbers” por “packets” (embalagens). Voltamos com a nova gravação e a BBC rejeitou de novo. “Vocês têm que usar a palavra ‘rubbish’ (porcaria) no lugar de ‘rubbers’, pra não parecer que a gente pediu pra vocês mudarem a letra”, eles explicaram. A gente respondeu: “Isso foi longe demais. Não vamos esconder o fato de que vocês fizeram a gente mudar a música”.

“As pessoas na Grã-Bretanha acham que a BBC não sofre censura, acreditam que ela é neutra, só fala a verdade, conta os fatos. É uma puta mentira!”

E “I Love a Man in Uniform” também foi banida, não?

Sim, isso aconteceu por causa da Guerra das Falkland/Malvinas, você escolhe como dizer. A gente chegou a ver o memorando interno, direcionado aos funcionários da BBC, dizendo: “Por favor, não toquem essa música. Estamos esperando relatórios de baixas de soldados para hoje à noite, e tocar essa música seria de mau tom” (risos). É engraçado, porque as pessoas na Grã-Bretanha acham que a BBC não sofre censura, acreditam que ela é neutra, só fala a verdade, conta os fatos. Acho que até pessoas de outros países acreditam nisso, e é uma puta mentira! É claro que eles não censuram como se fosse na União Soviética, mas fazem escolhas, permitem que certas coisas sejam ditas e outras não.

As letras do Gang of Four sempre foram, digamos, “diferentes”, lidando com questões políticas e mesmo com teoria marxista. O que vocês estavam lendo na época?

As ideias vinham de todos os lugares. Estávamos vendo filmes de Godard – tem aquele filme com a tela dividida e dois atores falando (Gill provavelmente se refere a Número Dois, de 1975), de onde veio “Anthrax”, em que nós também tínhamos dois vocais diferentes, um de cada lado. Estávamos lendo gente como Walter Benjamin, Althusser. O departamento de artes da nossa universidade tinha um cara novo, chamado Tim Clark, que era muito bom. Ele tinha uma nova visão em relação à crítica de arte: a pergunta não era mais “não é uma imagem bonitinha?”, ele questionava o ponto de vista social, o que a arte significava em relação às condições sociais em que foi produzida. Tínhamos também outras pessoas, como o Terry Atkinson, o pessoal do [movimento] Art & Language, com teorias de esquerda sobre a semiótica da arte. Também havia a Griselda Pollack, crítica de arte feminista. Esse era o tipo de gente que nos dava ideias.
Uma das ideias mais importantes era de que a maneira como nos comportamos é considerada “natural”, algo que vem da natureza, de Deus, “é a maneira como as coisas devem ser”. Mas é uma observação simples, quase tola, de que na verdade os humanos inventaram isso – não a natureza ou um Deus –, as regras pelas quais escolhemos viver. Se você pegasse um jornal nos anos 70 (apesar de que não seria muito diferente agora), você veria um artigo falando que seria natural para uma mulher ficar em casa, ter filhos, ou que é natural um homem ter que trabalhar. Mas tudo isso foi construído, seja por conveniência ou para os humanos controlarem uns aos outros. Isso não é necessariamente bom ou ruim, mas definitivamente não é natural. Essas conversas ideológicas aconteciam o tempo todo, entre diferentes pessoas, mas ninguém considerava que elas eram interessantes, ou mesmo apropriadas o suficiente para serem colocadas em uma música. Mas nós achávamos que eram. Tem um certo humor nas coisas do Gang of Four. Às vezes cantávamos certas coisas sabendo que estávamos indo longe demais, sendo muito teóricos, mas também querendo rir.

Apesar de faixas como “Ether” e “5:45”, Entertainment, o disco de estreia do Gang of Four, parece ter como tema principal amor, sexo e relacionamentos. Vocês estavam obcecados por isso na época?

Nós sacamos que, lançando um álbum, estávamos nos tornando parte da indústria do entretenimento, ganhando dinheiro com a venda de discos, fazendo shows. E nós estávamos interessados em como essa indústria funciona, o que ela estava vendendo. Uma das questões era: “Por que o tema principal da música pop sempre foi o amor romântico?”. E por que esse amor parece acontecer em um mundo imaginário, onde ninguém parece ter um trabalho. É como em filmes de Hollywood, as pessoas têm dinheiro por mágica, ele aparece. E as situações da música pop – garoto conhece garota, garota conhece garoto, se apaixonam, ou o amor acaba – acontecem em um mundo higienizado, sem as inconveniências embaraçosas da vida real. Uma das coisas que achávamos engraçado era falar sobre sexo de uma maneira não-romântica, de uma maneira mais pé-no-chão. Tentávamos mostrar o que as pessoas realmente pensavam sobre isso. E acho que as pessoas entenderam e gostaram muito dessa abordagem. Existe honestidade e autenticidade naquilo que estávamos fazendo e falando.

E você acredita no amor romântico?

Ah, sim, acho que sim, de alguma maneira. Acho que isso enriquece a vida. Os relacionamentos são incrivelmente importantes, senão a vida seria muito solitária, sabe? Seria uma vida muito infeliz.

“Às vezes cantávamos certas coisas sabendo que estávamos indo longe demais, sendo muito teóricos, mas também querendo rir.”

Eu lembro de um artigo do Greil Marcus, publicado nos anos 80, em que ele acompanhava vocês e reproduzia alguns diálogos. Parecia que vocês estavam discutindo o tempo todo. As coisas eram assim mesmo?

A verdade é que o Jon é um cara que gosta de discutir. Ele discordaria completamente disso, mas é verdade. E o Hugo também gostava bastante de discutir. Então brigávamos o tempo todo, mesmo. Às vezes eram sobre coisas interessantes, relevantes pra nossa música, pro que queríamos com a banda. Mas muitas vezes eram desastrosamente irrelevantes, era a discussão pelo prazer da discussão. O Hugo diria (pega um sachê de açúcar na mesa): “Este açúcar custa dois centavos”. E o Jon responderia: “Não, de jeito nenhum, custa três centavos”. “Dois centavos!”. “Três centavos!”. E por aí seguia. Eles discutiam por qualquer coisa. Mas em certas ocasiões eram discussões úteis, inteligentes. O Greil passou alguns dias com a gente e com certeza viu uma boa quantidade dessas discussões. Ele dizia que nós subíamos ao palco e as discussões continuavam, era um debate – o que é uma maneira interessante de entender como a banda funcionava.

Depois de Entertainment e de Solid Gold, vocês lançaram Songs For the Free, que tem músicas mais pop, uma abordagem mais direta. Faixas como “I Love a Man in Uniform” foram uma tentativa mais consciente de tentar entrar nas paradas?

Estávamos seguindo as mesmas ideias, os mesmos temas. Em “I Love a Man in Uniform”, a bateria é muito importante. Eu compus essa bateria sozinho, parte por parte, e mostrei pro Hugo. Pensei que, se fôssemos tratar a disco como algo “irônico”, eu queria fazer direito, não de um jeito meia-boca. E ali por 82 nós já estávamos muito mais acostumados na hora de trabalhar no estúdio, sabíamos muito mais como fazer a coisa andar. O som do Entertainment tem essa crueza simples porque não sabíamos mexer com estúdio. Pros outros discos nós ficamos ouvindo álbuns de outros artistas e dizendo: “Nossa, essa bateria está incrível. Temos que ter uma bateria assim no nosso disco”.

E aí você começou a sua carreira de produtor. Na sua lista de bandas produzidas um nome que se destaca é o Red Hot Chili Peppers, você produziu o primeiro disco deles. O que fez por eles como produtor?

Foi bem simples. Eles adoravam o Gang of Four, e queriam que eu trouxesse algumas coisas do som do Gang of Four pra música deles. Eles faziam duas coisas diferentes na época: tinham esse groove funky, com algumas coisas meio hip-hop, mas o lance principal era um surf punk super acelerado, músicas de dois minutos, meio trash, que eu achava uma merda. A minha influência foi fazer que eles tocassem mais um tipo de música e não o outro, ajudei a definir o que se tornaria a marca registrada, a assinatura deles.

Depois do hiato do Gang of Four, vocês voltaram em 1991 com Mall, que é um disco completamente diferente do que vocês vinham fazendo. “Cadillac”, o primeiro single, tinha todas aquelas guitarras, solos, wah-wahs. Por que essa mudança de direção?

Eu estava meio que experimentando. Aquele som é gigante, cheio de coisas, mas não é realmente o meu tipo de som. Poderia ser um disco do Jeff Beck, mas não é meu. “Cadillac” é uma música fantástica, a letra é brilhante. Nós estamos fazendo uma nova versão dela, vamos gravar.

É um tipo de música que me lembra algumas coisas do rock alternativo americano da época. Você estava ouvindo Jane’s Addiction?

Não, mas estávamos ligados em Nirvana, procurando um novo som. Naquele disco também tem uma versão fantástica de “Soul Rebel”, que também não era nada Gang of Four. O disco tinha uma certa autoindulgência, estávamos fazendo isso para nós mesmos. Jon estava cantando muito bem, eu estava pirando na produção. Era divertido mas não era o Gang of Four, era apenas nós nos divertindo no estúdio.

“[O disco Content] é como o Entertainment, quando estávamos entrando na indústria do entretenimento. Hoje fazemos parte da indústria de provedores de conteúdo – assim como você, todos somos provedores de conteúdo –, que ajuda a vender celulares, gadgets. Esse é o nome do jogo agora. É a mesma ideia.”

Uma série de bandas novas tentou emular o som de vocês nos anos 00. Foi isso que fez vocês voltarem com a formação original?

Em 2000, 2001, comecei a receber telefonemas de pessoas falando que a gente deveria voltar com o Gang of Four. O Dave Allen e o Hugo Burnham também mandavam e-mails dos EUA falando sobre voltarmos a tocar. Eu estava produzindo outras bandas na época, mencionei a ideia ao meu empresário e ele respondeu, animado: “Sim, sim, a gente tem que fazer isso”. Ele comprou as passagens de avião e fez tudo acontecer. Eu acho que o fato é que havia muita gente falando do Gang of Four na época, e muitos grupos novos pareciam o Gang of Four da época do Entertainment – todos sabem de que bandas estamos falando.

Bloc Party, Rapture...

Futureheads, Franz Ferdinand... Acho que isso aumentou a pressão por essa volta.

Vocês acabaram gravando o Return the Gift. Por que regravar essas faixas dos discos anteriores em um ambiente “ao vivo”?

Em 2004, com todos na mesma sala de ensaio, nós tocamos essas músicas e pensamos: “Nossa, não é que ficou bom?”. Chegamos à conclusão de que deveríamos mostrar as músicas com o mesmo poder que elas tinham ao vivo. Porque o Entertainment tem esse som seco, que não era o que a gente fazia ao vivo.

E os remixes, como vocês escolheram quem ia fazer cada música?

Qualquer um que se interessasse em fazer um remix do Gang of Four poderia fazê-lo. Foi interessante, porque eu não me envolvi em nenhum grau, e o meu remix favorito acabou chegando tarde demais para entrar no disco. Foi um remix do Tortoise para “Paralyzed”, que acabou como lado B da versão em vinil do single Second Life, de 2008.

O nome do novo disco, Content, foi uma provocação com essa nova “economia do conteúdo”?

De certa forma é como o Entertainment, quando estávamos entrando na indústria do entretenimento. Hoje fazemos parte da indústria de provedores de conteúdo – assim como você, todos somos provedores de conteúdo –, que ajuda a vender celulares, gadgets. Esse é o nome do jogo agora. É a mesma ideia.

Algum fã ficou bravo com a inclusão de “Natural’s Not in It” no comercial do Kinect, nova plataforma do Xbox?

Algumas pessoas realmente ficaram bravas. Hoje em dia ninguém mais compra discos, então é mais difícil ganhar dinheiro, se sustentar. Você faz shows, é claro, mas também quer que a sua música entre em trilhas de filmes e comerciais, é um bom jeito de fazer dinheiro. Se você me perguntasse há um ano qual seria a situação mais bacana para uma música do Gang of Four ser usada, eu teria dito: “Em um comercial do Xbox na TV, no mundo inteiro”. O primeiro verso da música é “the problem of the leisure/ What do you do for pleasure?” (o problema do lazer/ O que você faz por prazer?), e ela está em um comercial de videogame! Não poderia ser mais perfeito.

Você já acreditou em algum tipo de revolução? Ainda acredita?

Acho que existem tipos diferentes de revoluções. As que têm efeitos reais, duradouros e profundos são aquelas que demoram muito para acontecer, acontecem bem devagar. Elas se concentram em vencer debates, não em tomar o poder. Esses debates podem levar muito tempo para se desenvolver, e a história segue mudando. É o tipo revolução que tem o efeito mais profundo. Essas revoluções acontecendo no Norte da África e no Oriente Médio, por exemplo: a vida das pessoas por lá pode ou não mudar, espero que mude. Esse é um outro tipo de revolução, que acontece durante meses, e não por anos e anos.

A situação econômica da Europa pode mudar as coisas por lá também?

Acho que isso vai forçar as pessoas a pensarem mais do que antes, em coisas que elas nunca pensaram. São tempos interessantes, bem interessantes.

Saiba mais:
gangoffour.co.uk

Entrevista . Alto*Contraste

2011-08-17T18:50:00Z

Por Marina Mantovanini

Disseminadores da arte de reproduzir imagens, Lee & Lou exploram as aventuras de criar em suportes públicos desde 2004, sob a alcunha alto*contraste. Mas, em vez de aderir ao graffiti, eles optaram por uma vertente da arte urbana pouco difundida no Brasil: a stencil art. Hoje, são reconhecidos internacionalmente – seus estranhos desenhos metade homem/metade bicho espalhados por São Paulo já rodaram por vários países. Exposições em Londres, Buenos Aires, Roma e Melbourne tornaram o casal um dos grandes expoentes do gênero no país. Além de ter desenvolvido uma linguagem particular em seus estênceis, o grande trunfo do duo é o impacto emocional de suas imagens alegóricas, infectadas de cores, referências da pop art e pavimentadas em traços da cultura underground.

Vocês estudaram na ETE Carlos de Campos (uma das escolas técnicas mais antigas e renomadas de São Paulo). Foi lá que tudo começou?

Nos conhecemos em 96, no primeiro ano de um curso técnico de desenho. Embora a gente já desenhasse desde muito antes, acho que foi a partir dali que a coisa toda começou a se formar. Não apenas com o desenho, mas com todo o pensamento artístico. Era a vivência, a troca de experiência, toda uma cultura se articulando entre amigos e um pouco de loucura também – o que de toda forma foi muito importante na nossa formação, mais até do que as aulas (risos). A gente ainda não pintava nas ruas, mas acompanhava muito de perto o que estava rolando com o graffiti. Essa escola em que nos conhecemos tinha uma cena forte de skate, punk e um puta link com o graffiti da época. De lá tinham acabado de sair OsGemeos, Onesto, Speto, e muitos de nossos amigos mais próximos ali ou já grafitavam ou começariam ainda naqueles anos e não parariam mais, como Pato, Jey, Guid, Zeila, Vermelho, entre outros. Era com esses “malcrias” que a gente compartilhava as aulas e também o bar. O Lou fez alguma coisa em estêncil já naqueles anos, mas não deu sequência nisso tão cedo. Então, quando perguntam o que nos levou a pintar nas ruas, costumamos dizer que foi exatamente esse contexto.

E por que optaram pelo estêncil?

Isso é até engraçado, porque não foi muito pensado. Acho que, mesmo inconscientemente, queríamos fazer algo juntos. E sempre curtimos essa estética do estêncil, essa pegada seca, gráfica, isso também era uma referência comum.

O alto*contraste veio como resultado disso?

Na verdade, antes de decidirmos trabalhar juntos, já tínhamos decidido viver juntos (risos). Daí vieram nossos filhos, e só então, lá pro final de 2004, começamos a repensar umas máscaras que andávamos cortando pra umas camisetas nossas e pra uma brincadeira na parede de casa. As máscaras cresceram e daí pra rua foi um pulo. Foi só o impulso de levar umas coisas nossas pra rua, sem nenhuma pretensão e com uma porrada de referências em comum, “carimbando” uns estênceis pela cidade em preto ou preto e branco. Foi muito simples e natural trabalharmos juntos, e ali nasceu o A*C.

“É difícil acreditar, mas fazemos tudo juntos, desde a troca de ideias, passando pela busca por referências, até a execução das máscaras e a pintura em si. Costumamos dizer que fazemos estêncil como tudo o que fazemos juntos, do cuidado com as crianças e compras no supermercado ao sexo.”

Quem eram os artistas que inspiravam vocês?

Na época não tinha muita coisa de estêncil nas ruas, mas víamos muita coisa gringa na internet. E aqui alguns trampos do Ozi, do Celso Gitahy, do Donato. Eram coisas bacanas e tinham uma puta qualidade técnica e uma pegada oitentona bem deles. Mas nem conhecíamos eles ainda e esteticamente falando não podemos dizer que nos influenciaram tanto. Exposições de estêncil também eram poucas, e dessas poucas só uma ou outra chegava a atingir um público maior, como a do Alex Vallauri que rolou no MIS no final dos 90. Muito foda!

O estêncil foi pras ruas de SP no final dos anos 70, justamente por meio do trabalho de artistas como Alex Vallauri e Carlos Matuck, mas ainda se vê pouco desse tipo de trabalho na cidade. Como a cena evoluiu ao longo desses anos?

Não sei, mas acho que isso tem a ver com a influência do graffiti por aqui, do hip-hop americano, com toda uma tradição de free style. Já o Vallauri e a maioria dos seus contemporâneos vinham de outra escola, mais ligada às artes plásticas e à arte urbana que estavam rolando na Europa. E acho que isso vem se desenrolando até hoje. Infelizmente o estêncil por aqui está muito preso à reprodução pura e simples de uma imagem bacana. Com algumas ótimas exceções, são raros os artistas que desenvolvem uma identidade que se sobrepõe à técnica. A cena predominante preza pelo estilo, pela identidade, e é justamente essa identidade que ainda falta em grande parte do estêncil brasileiro. Isso acaba desestimulando o cara que está começando. Ele não consegue ver o estêncil como uma ferramenta a mais que pode servir ou não, só depende do seu propósito. Hoje tem gente que defende uma separação entre graffiti e estêncil, e até quem diga que o que sobrou do graffiti é o bomb, o throw-up. A gente não concorda nem discorda, simplesmente não estamos interessados em rótulos (risos).

“O estêncil dialoga com diversos outros processos de reprodução, mas talvez seja o único que te tira das quatro paredes de um ateliê, já que praticamente qualquer superfície se presta a suporte para o estêncil. Nos interessa não só a mágica de reproduzir imagens, mas também a própria relação do homem com a máquina ou ferramenta que o separa da sua arte, o embate. É um lance meio romântico, meio piegas mesmo (risos).”

O mercado de stencil art na gringa é muito diferente em relação ao Brasil?

Embora a diferença venha diminuindo, ainda é mais forte lá. Mas talvez porque lá se formou antes um grande público de jovens colecionadores. São eles que mais movimentam o mercado - caras que consomem arte como quem consome gadgets. Eles têm uma naturalidade enorme nisso, a gente mesmo já vendeu mais na gringa do que aqui, quase sempre através de um simples e-mail direto do comprador. E, claro, temos muito mais galerias voltadas à arte urbana por lá do que aqui.
O estêncil nasceu como arte de protesto, era contrapropaganda na 2ª Guerra Mundial. Os personagens “estranhos” que vocês fazem, metade homem/metade animal, são símbolos de crítica ou protesto?

De fato, o estêncil tem essa pegada de protesto justamente pela agilidade com que se pode espalhar uma mensagem nas ruas. Mas não é o nosso caso. Não porque somos alienados, é apenas o nosso trabalho que não é politizado (risos). Acreditamos que o simples fato de pintar na rua seja um ato político por si só, mas o nosso trabalho tem mais a ver com esse “estranho” que você mencionou, é aí que está nosso universo. E nesse ponto os personagens acabam meio que se impondo na criação, entende? Mesmo antes de pensarmos nessa questão, quando começamos, já trabalhávamos com algumas imagens de freaks. De uma forma ou de outra são personagens que encaram o transeunte, parecem passivos, mas podem ser niilistas, por que não? É comum as pessoas nos abordarem quando estamos pintando e, intrigadas, perguntarem o que queremos dizer com aqueles personagens. A intenção é não deixar muito claro, aí também está o estranhamento. Pra nós as cabeças de animais acabam carregando significados, como a do urso, por exemplo: pode remeter ao urso de pelúcia, o Teddy fofinho, mas também a um animal extremamente agressivo. Outro dia uma menina nos disse que dava vontade de abraçar nosso urso... Nós não recomendamos. Será que ela nunca ouviu a expressão “abraço de urso”? (risos)

O desenho de vocês é uma mistura de universo vintage, pop art e cultura underground. De onde vêm essas temáticas?

Difícil dizer exatamente, não é muito racional. São coisas que vêm de várias fases da vida e que só se tornaram mais claras pra nós quando deixaram de ser reminiscências e se tornaram objeto de trabalho. No geral, a gente curte mesmo coisas estranhas, talvez não tão estranhas por si – elas passam a ser estranhas quando retiradas do seu contexto original, relidas e realocadas. Mais ou menos como um bootleg na música, sabe? Você mistura chanson française com Jon Spencer e lá está uma música nova.

“É sempre diferente produzir em suportes fora da rua, mas não menos prazeroso. Se por um lado uma exposição tira um pouco daquela espontaneidade da rua, por outro te leva a experimentar novos materiais e observar de que forma os trabalhos dialogam entre si e com o público. Naquele momento as pessoas têm um olhar mais focado, menos automático do que nas ruas.”

Como é trabalhar em dupla?

É difícil acreditar, mas fazemos tudo juntos, desde a troca de ideias, passando pela busca por referências, até a execução das máscaras e a pintura em si. Talvez o desenho (ou o redesenho de uma referência) seja um pouco mais individual, dependendo do caso, mas até nisso acaba sendo uma coisa só. A gente costuma dizer que fazemos estêncil como tudo o que fazemos juntos, do cuidado com as crianças e compras no supermercado ao sexo.

Vocês participaram do Cans Festival em Londres, que é um evento organizado pelo Banksy. Como rolou esse convite?

Foi uma puta surpresa. Certo dia a gente abriu os e-mails e lá estava o Tristan Manco [um dos maiores pesquisadores de arte urbana do mundo], que era um dos envolvidos na produção, nos convidando. Adoramos, claro! Mas até então não tínhamos nenhuma informação além das básicas. Só em Londres é que sabemos que o Banksy estava por trás. Aí sim entendemos todo aquele segredo: o local era um túnel que passa por baixo da Waterloo Station, e a coisa toda era secreta, uma simulação de obras no túnel com tapumes fechando as duas entradas, seguranças e tudo mais. E a recomendação era pra não divulgar nada antes da abertura. Pareceu exagero, mas depois, vendo as filas gigantescas na entrada na abertura [foram cerca de 30 mil pessoas só no primeiro fim de semana] e sentindo de perto a obsessão dos britânicos por tudo o que vinha do Banksy, caiu a ficha. No mais, foi ótimo trabalhar ali dentro com toda a liberdade e com um time tão foda.

O Banksy levou o estêncil a uma nova posição na street art lá fora, talvez seja o artista mais reconhecido e bem pago. Vocês acham que foi o mistério em torno dele que chamou a atenção das pessoas, ou o que importa é o lado estético?

Na verdade a gente não acha que o grande trunfo dele seja estético, o lance ali é a ousadia. Não apenas na temática ou na coragem de pintar em lugares como Londres, que tem uma câmera de segurança para cada 14 habitantes, mas na capacidade de pôr em prática ideias absurdas e que vão de encontro ao polido comportamento britânico – polido mas que não esconde uma lado paparazzo, o que acaba alimentando a “lenda”. Resumindo, ele é o cara que faz. Tem milhões de mini-banksys pela Europa, mas nenhum com a sua coerência e cara-de-pau (risos).

Recentemente, vocês participaram da expo Elemento Vazado na Matilha Cultural. Como é transportar o estêncil pra galeria?

Essa expo foi uma experiência muito bacana! Primeiro porque estávamos totalmente à vontade entre amigos, e isso é sempre bom. São caras que a gente curte como artistas e como pessoas. Além disso, a Matilha é um espaço com muita personalidade, independente, muito bem estruturado e com um engajamento político e ambiental muito forte, mas sem aquele ranço chato. Montamos a coisa toda como se estivéssemos na rua, tudo em um só dia, optando por dividir o espaço entre um painel coletivo e uma parede com trabalhos em outros suportes. É sempre diferente produzir em suportes fora da rua, mas não menos prazeroso. Se por um lado uma exposição tira um pouco daquela espontaneidade da rua, por outro te leva a experimentar novos materiais e observar de que forma os trabalhos dialogam entre si e com o público. Naquele momento as pessoas têm um olhar mais focado, menos automático do que nas ruas.

O estêncil tem uma certa familiaridade com as gravuras e o modus operandi semelhante a técnicas como a xilogravura e litogravura. Vocês usam outras técnicas ou suportes?

De fato o estêncil dialoga com diversos outros processos de reprodução, mas talvez seja o único que te tira das quatro paredes de um ateliê, já que praticamente qualquer superfície se presta a suporte para o estêncil. Nos interessa não só a mágica de reproduzir imagens, mas também a própria relação do homem com a máquina ou ferramenta que o separa da sua arte, o embate. É um lance meio romântico, meio piegas mesmo (risos). Mas ainda não pudemos explorar muita coisa pra valer. Há pouco tempo tiramos uma pequena série de gravuras misturando xilo, estêncil e acrílica. A serigrafia a gente também vem namorando há um tempão, talvez seja o mais impessoal desses processos, mas sem dúvida é o mais democrático... Qualquer dia desses a gente chega num acordo entre os nossos ursos e ela.

++++++++

Saiba Mais:
flickr.com/photos/altocontraste

Emicida, Projota e Rashid lançam clipe e fazem show juntos em SP

2011-08-17T17:48:00Z

Os “três tenores” do rap, Emicida, Projota e Rashid, fazem um show em conjunto nesta quarta-feira (17) no Estúdio Emme, em São Paulo. O show é a primeira edição do projeto “Celebrai Emicida”, noite mensal em que o rapper paulistano vai trazer convidados de diferentes vertentes musicais para parcerias.

Aproveitando a reunião, o trio gravou uma nova faixa, “Nova Ordem”, com produção de Nave – você pode ver o clipe da música abaixo. A noite ainda vai contar com discotecagens dos DJs Nyack, Kl Jay, Marco e o norte-americano K-Salaam, que produziu o novo EP do Emicida.

Celebrai apresenta Emicida, Projota e Rashid
Quando . quarta-feira (17), às 20h
Onde . Estúdio Emme . Av. Pedroso de Morais, 1036 . Pinheiros . São Paulo . SP
Quanto . R$ 30
Info . 11 2626 5835

Kevin Drumm se apresenta em SP nesta semana . Confira a entrevista

2011-08-16T14:50:00Z

Por Amauri Stamboroski Jr. / Colaborou Raquel Setz

Um dos maiores nomes do noise mundial, o estadunidense Kevin Drumm faz duas apresentações em São Paulo nesta semana, tocando na quarta (17) e na quinta (18) no SESC Belenzinho. Na primeira data o show de abertura fica por conta do Test, e no segundo dia o Objeto Amarelo faz um set colaborativo com Drumm.

Natural de Chicago, o músico já esteve no Brasil em 2009 tocando com a Exploding Star Orchestra. Autor de novos clássicos do noise (Sheer Hellish Miasma, de 2002) e do drone (Imperial Distortion, 2008), Drumm já colaborou com artistas como Prurient, Gastr Del Sol e Mats Gustafsson. Em entrevista por e-mail à Soma, o artista fala sobre TDAH, música “fascista” e se apresentar ao lado de uma orquestra – leia o papo na íntegra abaixo.

Sei que estamos em 2011, mas ainda existem pessoas que falam que o que você faz é só barulho, e não música?

Não de uma maneira agressiva. Outro dia eu estava na minha cozinha com um CD do Phill Niblock tocando no boombox. A irmã da minha namorada estava lá, e ela perguntou inocentemente, “essa é a suam música?”. Disse que não, então ela perguntou, “o rádio está ligado tocando estática?”. Eu disse, “não, é um CD”, e ela perguntou se havia algo de errado com o CD. Ela meio que fingiu ficar intrigada com a ideia de aquilo ser a minha música, e então pareceu aliviada ao saber que não era, e imediatamente assumiu que havia algo de errado com o aparelho. Pelo menos ela não disse “PFFFFT! Eu poderia fazer isso dormindo”.

<object height="338" width="541"><param></param><param></param><param></param><embed src="http://www.youtube.com/v/HYmmTem43WI?version=3&hl=pt_BR" height="338" width="541"></embed></object>

Noise é um tipo de música que muitas vezes precisa de uma atenção concentrada do ouvinte, não é o tipo de coisa que vira “música de elevador”. O que significa produzir esse tipo de música em um mundo onde as pessoas andam tão dispersas? Você está lutando contra um mundo em estado de TDAH (Transtorno do Déficit de Atenção com Hiperatividade)?

Antes de tudo eu estou lutando contra o meu próprio TDAH. Também acho que muito do noise que supostamente deveria ser considerado irritante/abrasivo ou extremo (blá, blá, blá...) é na verdade muito tranquilo de se ouvir. Muito disso é puro “ruído branco”, e é a coisa mais tranquila de se ouvir. É o som do oceano. Nos anos 70 haviam empresas que vendiam pequenos geradores de ruído branco para ajudar as pessoas a dormirem!

John Cage chegou a chamar a música de Glenn Branca de “fascista”, e, ao mesmo tempo, Jacques Attali escreveu um livro inteiro defendendo o ruído como um poder subversivo. Você vê a sua música como uma arma ideológica?

Ha! Não, eu adoraria que a minha música fosse uma arma. HA. Não sabia que John Cage havia chamado Glenn Branca de fascista, isso é interessante... e estúpido. Eu dei uma entrevista para um site brasileiro esses dias em que o entrevistador me perguntou sobre minhas colaborações ao vivo com Radu Malfatti e Lucio Capece. Radu, se você não conhece, é um artista bem interessante, e você poderia dizer que ele é o exato oposto de Glenn Branca, a música dele é extremamente quieta, a antítese da agressão musical. Dez anos atrás um conhecido meu estava me contando sobre uma apresentação de Radu Malfatti que tinha assistido. Ele disse que foi como voltar para o colégio interno, e a sua expressão exata para descrever Radu foi a mesma, ele chamou o músico de fascista, porque a plateia era “forçada” a ficar em tamanho silêncio (apesar de eles não terem sido “forçados” a nada, na real) que ele se sentiu compelido a se sentar quieto, e isso foi muito desconfortável para ele. Eu entendo a situação, mas se você não gosta de algo, está livre para partir. Ficar chamando os outros de fascista assim é algo tolo para mim.

Discos como Imperial Distortion e Imperial Horizon, com aqueles drones lindos e espectrais, parecem uma separação do “não tão agradável” som de trabalhos como Sheer Hellish Miasma. Não é uma sinfonia, mas é algo mais imersivo e viajandão. O que você está tentando explorar com esses drones?

Eu não sei, essas músicas mais ambiente são algo com o que eu me envolvi erraticamente por um longo tempo. Elas são o que são. Não são feitas para fazer você admirar o pôr do sol ou coisa assim.

<object height="338" width="541"><param></param><param></param><param></param><embed src="http://www.youtube.com/v/276by41fHIk?version=3&hl=pt_BR" height="338" width="541"></embed></object>

Bruce Russell, do dead C, chamou a atenção sobre o estado de sua guitarra em um texto recente sobre a capa de seu disco de 1997 Kevin Drumm. Você trata seu instrumento tão mal assim?

A guitarra já estava mau estado quando a comprei em 1989, mas sim, eu trato ela bem mal.

A primeira vez que você esteve no Brasil foi com a Exploding Star Orchestra. Qual você acha que é o papel do noise em uma orquestra?

Se você está perguntando especificamente sobre a Exploding Star Orchestra eu não tenho muita certeza. Creio que eu fui trazido para adicionar algo de “outro elemento / texturas” para os procedimentos. Só havia tocado com a ESO uma vez e não estava familiarizado com a música deles, foi um desafio tocar no Brasil, eu não conseguia incorporar meu som com o que eles estavam fazendo, não havia muito sentido em tentar fazê-lo e eu percebi isso em algum momento da nossa primeira apresentação. Eu acho que o convite foi apenas algo que o Rob Mazurek pensou, ele queria que eu participasse do grupo e tocasse o que eu quisesse.

Kevin Drumm com Test e Objeto Amarelo
Quando . Quarta, 17 (Test) e quinta, 18 (Objeto Amarelo), às 21h
Onde . SESC Belenzinho . Rua Padre Adelino, 1000 . Belém . São Paulo . SP
Quanto . até R$ 24
Informações . noropolis.net

Bahia de todos os negros . Conexão Vivo Salvador 2011

2011-08-15T18:00:00Z

Talvez nem em suas visões mais ousadas dentro do seu projeto pan-africanista Marcus Garvey...

Por Amauri Stamboroski Jr. . Fotos: Marcelo Santana e Tiago Lima

Talvez nem em suas visões mais ousadas dentro do seu projeto pan-africanista Marcus Garvey tenha previsto a hegemonia cultural que a música da diáspora negra imporia involuntariamente sobre o Ocidente. Virtualmente tudo de relevante produzido na música – um das áreas culturais mais importantes do século XX, econômica e culturalmente – durante os últimos cem anos no lado oeste do globo carrega uma forte influência, quando não advém explicitamente, das periferias culturais negras da África ao Brasil, do Caribe aos EUA e de volta à Europa.

Nesses diálogos do Atlântico Negro o Brasil ocupa um espaço privilegiado, absorvendo, inventando, adaptando e ressignificando, ao mesmo tempo, a matriz africana “ancestral”, a criatividade local e os ritmos modernos amplificados pela indústria cultural. A série gratuita de shows em Salvador entre quinta (11) e domingo (14) deste mês, que marcou o início da etapa baiana do projeto Conexão Vivo 2011, representa, de certa forma, a amplitude e a importância que a música negra têm na formação do tecido cultural brasileiro – especialmente ali, na cidade que foi o primeiro destino dessa diáspora.

É a celebração dessa diversidade que dá sentido a uma escalação que reúne no mesmo palco o estudo rítmico-folclórico do Sertanília – acompanhado por Nego Henrique e Emerson Calado, ex-percussionistas do Cordel do Fogo Encantado – ao lado do groove progressivo do A Cor do Som. Sob o signo dessa árvore musical cujas folhas espelham as raízes africanas, Salvador assistiu apresentações de carimbó, hip-hop, samba, frevo, reggae, tecnobrega.

Com a praia da Pituba castigada por uma forte chuva, a noite de sexta-feira abriu com o grupo Babilak Bah acompanhado do DJ Chico Correa, numa vibe de experimentação percussiva – entre ritmos, contrapontos e repetições – muito mais instigante que as canções que compunham a outra metade da apresentação. Iva Rothe, que subiu ao palco na sequência, deu uma aula de música tradicional paraense, e acabou explicitando a conexão caribenha entre Salvador e Belém ao chamar o baiano Gerônimo para encerrar a apresentação cantando “Jubiabá” e “Sereia”.

Ainda sob uma precipitação de proporções diluvianas, o trio Três na Folia – espécie de girl group de música de Carnaval – divertia os foliões mais resistentes à água e ao barro que se formava à frente dos palcos. Já sob menor ameaça das intempéries, o “bloco das M”, formado por Márcia Castro e as convidadas Mayra Andrade, Mariana Aydar e Mariella Santiago abriu a sua apresentação com “Doces Bárbaros” numa espécie de carta de intenções, e seguiu passeando por uma informal história do papel da voz feminina na formação da MPB.

Se Pedro Morais foi às raias do soporífero, chegando a anunciar uma música sobre “sustentabilidade” – que por muita sorte da plateia, não foi tocada – e ganhando a simpatia do público apenas depois da entrada dos convidados locais do Maglore, Gaby Amarantos, se apresentando na sequência, mostrou com quantos beats se faz uma festa na laje. Com voz poderosa, comanda o público com facilidade, transbordando carisma, sensualidade e paixão em mesma medida. Atacando com “Faz o T” – homenagem à aparelhagem Treme-Terra Tupinambá, de Belém, composta pela própria cantora – Gaby combina coreografia, refrão e batida, numa fórmula que não faria feio na mão das divas pop que dominam a programação de música estrangeira das rádios. Porém “diva pop” é pouco para ela, q ue ainda assume a personalidade de madrinha do samba (em “Eu Bebo Sim”), musa MPB (em “Chuva”, de Iara Rennó e Thalma de Freitas) e cantora brega (“Galera da Laje”). Com sua nova banda – que inclui diversos membros do La Pupuña – acrescenta o rock ao seu tecnobrega (ela prefere o “brega” ao “melody”, epíteto recente e menos hostilizável para o mesmo gênero) em uma constante busca de uma sonoridade que a represente com precisão. Equilibrando talento, ambição artística, curiosidade e articulação, Gaby Amarantos é um dos nomes mais instigantes da música brasileira hoje.

À trégua da chuva seguiu-se um impressionante aumento do público, que praticamente lotava o Parque dos Namorados quando Lenine subiu ao palco, praticamente jogando em casa – o sucesso é tamanho que se quisesse, ele poderia tocar apenas os instrumentais e deixar que o público cantasse o resto do repertório.

Apesar da apreensão e do medo de um novo toró, o sábado começou agradável com uma suave brisa marina e o Sertanília cantando suas cirandas, forrós e sambas – aliás, o samba acabaria sendo um dos grandes protagonistas da noite. Os mineiros do Família de Rua na Estrada trouxeram ao palco um duelo de MCs, com nomes locais e outros belorizontinos disputando a noite e os aplausos da plateia. Destaque para a batalha entre o proficiente Vinilão e o malemolente Fall, que teve direito a terceiro round. Ao final, o prêmio ficou com o local Shugs, graças a um bom flow que fez juízes e plateia relevarem o cacoete de abrir quase todos os versos com “tá ligado”.

O momento mais complicado da noite foi a série de problemas de som que prejudicaram o show de Érika Machado – com jeito de tímida, a cantora de voz suave acabou sofrendo bastante com a situação. Em seguida o Senta a Pua, ao lado do flautista e saxofonista Eduardo Neves, passeou entre o choro, a gafieira e o samba canção, e acabou realizando um dos pontos altos da noite com Elza Soares no palco – sentada, após uma recente operação na coluna – derramando pathos em “Se Acaso Você Chegasse” e “O Neguinho e a Senhorita”. Ovacionada, cantou à capella (os músicos tinham deixado o palco após um repertório curto, graças aos atrasos no show de Érika Machado) “Espumas ao Vento”, num bis improvisado e emocionado.

Para seguir balançando os quadris da plateia, o jeito foi o Samba de Compsitor, com a participação de Mariene de Castro, cantando composições de Miguel dos Anjos e Mestre Jonas (“Benção em Vida”), Nei Lopes (“Samba de Eleguá”) e outros bambas. Mas o que atraiu talvez o maior público de todas as quatro noites desta edição do Conexão Vivo foi mesmo o recém-reformado A Cor do Som, que contou ainda com Pepeu Gomes para garantir que não faltasse virtuosismo na noite. Abrindo com “Pororocas”, o grupo passeou pelo reggae (“Abri a Porta”), progressivo (“Frutificar”) e o verdadeiro pop baiano (“Beleza Pura”), fechando a festa com “Dentro da Minha Cabeça” e uma multidão de sorrisos nos rostos.
O domingo começou mais cedo e viu o dia apagar-se para nascer uma linda lua ao som do Grupo Percussivo Mundo Novo – cujo vocalista Mikael Mutti pilota um misto de controle de Guitar Hero com touchpad – com a ilustre presença de Wilson das Neves, transformando por um momento as doideiras da banda em um respeitável samba de gafieira. Peu Murray e Magary, por sua vez, mostraram uma tentativa de reavaliação da música afro na Bahia, com um toque mais pop sem deixar a festa de lado. Manuela Rodrigues, com sua surpreendente voz, foi de Tom Zé a Natiruts, e convidou Romulo Fróes para dividir o palco.

Mas o momento pelo qual todos estavam esperando rolou só no penúltimo show. O rastaman mineiro Celso Moretti – que chegou a usar um estilingue para jogar bolinhas de papel com poemas para o público – chamou para o palco Edson Gomes, pioneiro do reggae baiano. “Faz 30 anos que eu espero por esse encontro”, confessou Moretti, emocionado no palco. Na Pituba lotada não havia uma pessoa, dos camelôs aos organizadores do evento, que não soubesse as letras hits regionais como “Malandrinha”, “Samarina” e “Lili”. Fechando a noite e o festival, o rapper Renegado cantou com a sua banda, contando com a participação de Lenine e apresentando faixas de seu novo álbum, como a suave “Suave”. Dosando partes às vezes desiguais de balanço e hip-hop, o cantor se saiu bem e botou o público extremamente alegre, divertido e acolhedor, para mexer as cadeiras.

(O jornalista viajou a convite da organização do festival)